Ombres sur Molière de Dominique Ziegler festival OFF d'Avignon

Installée à Versailles, la troupe de Molière, l’Illustre Théâtre, s’est remise au travail et répète une nouvelle comédie pour l’ouverture des Plaisirs de l’île enchantée. C’est alors qu’elle apprend la mort d’un acteur. Excommunié pour avoir pratiqué son métier, il vient d’être conduit à la fosse commune… Terrassé et contre l’avis de ses compagnons, Molière entreprend l’écriture d’une nouvelle pièce pour le roi, réveillant la querelle entre l’Église et le Théâtre. Tartuffe voit le jour, jetant un voile sur la vie de l’auteur. Les ombres rôdent.

Dans ce décor rouge sang qui voit la consécration de Molière, protégé du roi, va se dérouler un épisode tragique de la vie du dramaturge. Tout d'abord dans sa vie privée : sa rupture avec Madeleine Béjart, son mariage avec Armande, la naissance de son  fils Louis qui devient le filleul du roi Louis XIV, vite suivi de la mort de l'enfant.  Ensuite dans sa carrière théâtrale : le Tartuffe va lui valoir les foudres de l'église et la haine de la Reine mère. La cabale des dévots se déchaîne sur sa tête avec une violence inouïe. Molière voit se profiler les bûchers de l'inquisition. Le roi est contraint d'interdire la pièce mais il sauve son protégé. La pièce ne  sera autorisée que plus tard, après une réécriture. Entre temps, il y aura Dom Juan qui n'arrange pas les affaires de Molière !

La pièce de Dominique Ziegler est assez surprenante parce que, écrite à notre époque, elle a un petit air désuet lié à l'emploi de l'alexandrin mais il faut reconnaître que le mètre passe bien et coule facilement. Il n'y a aucun essai de la rattacher à notre époque actuelle par une méditation sur le pouvoir et la liberté. C'est au spectateur de le faire s'il le souhaite. Non, l'auteur nous raconte une histoire qui a le mérite de faire comprendre la puissance de l'Eglise au XVII siècle, pouvoir qui pouvait contrebalancer celui de Louis XIV.

Le sujet est traité en comédie, ce qui n'empêche pas de souligner la violence des attaques contre Molière et les dangers qu'il encourrait, lui qui sera enterré de nuit et en cachette pour éviter les foudres de l'église.

Le spectacle est plaisant et a le mérite de faire connaître aux élèves, sous le couvert du rire,  (là, c'est le professeur qui parle, même à la retraite! ) comme à ceux qui ne connaissent pas bien cette époque et la vie de Molière, les dangers d'une religion fanatique et les contre-pouvoirs qui limitaient la monarchie absolue.

Ombres sur Molière de Dominique Ziegler 

Chêne noir  18h30

Durée : 1h35

  du 7 au 30 juillet -

Interprète(s) : Jean-Alexandre Blanchet, Caroline Cons, Jean-Paul Favre, Yves Jenny, Olivier Lafrance, Yasmina Remil 

Le chant du cygne-Fantaisie d'après Tchekhov Robert Bouvier Festival OFF d'avignon

Une salle de théâtre en pleine nuit. Lieu de tant de souvenirs et d’enchantements pour le vieux comédien qui s’y est endormi. Une arène aussi bien qu’un refuge, où il ne reste pas longtemps seul…
Un spectacle festif, entre dérapages et télescopages s’amusant des codes et paradoxes du théâtre et de la folie douce d’artistes rêvant de suspendre le temps. Des échappées rebelles dans un texte poignant d’humanité, dont les comédiens s’emparent intimement, laissant malicieusement leurs songes rimer avec mensonges, s’abandonnant à de joyeuses variations et digressions. Une version surprenante, conjuguant tendresse et légèreté et ménageant quelques savoureux coups de théâtre.

Le chant du cygne, c'est la dernière plainte sublime que lance le cygne avant de mourir. Ici, dans cette courte pièce de Tchekhov, c'est le chant du vieil acteur Vassili Vassilievitch Svetlovidov qui se retrouve seul dans un théâtre après s'être endormi dans sa loge. La salle noire, métaphore de la mort, l'effraie et sa vieillesse lui pèse, le souvenir de son ancienne gloire aussi. L'apparition du souffleur, le vieux Nikita Ivanitch le rassure et tous deux vont évoquer les succès du vieux comédien en célébrant les auteurs célèbres qu'il a servis de son art.

C'est à partir de cet texte que le metteur en scène Robert Bouvier réalise une libre adaptation à la  fantaisie  débridée dans laquelle nous entraînent deux excellents comédiens Roger Jendly et Adrien Gygax.  En fait les personnages sont doubles  : Roger joue son propre rôle et  interprète Vassili et Adrien est à la fois Adrien et Nikita. Ainsi a lieu une mise en abyme qui va permettre au spectateur de voir se créer le spectacle théâtral et de confronter le passé et le présent.

Le vaste plateau souvent plongé dans le noir au grand dam de Svetlovidov qui prend à partie le technicien, présente une table et des chaises où sont entreposés les verres de la fête au cours de laquelle on a oublié le vieil homme. Et puis le reste de la scène est vide, coupé seulement par deux rideaux, l'un blanc, l'autre représentant le tableau de Giandomenico Tiepolo, le Nouveau Monde, qui montre une foule de dos regardant une lanterne magique, allusion bien sûr à la magie du théâtre, monde de l'ombre et de l'illusion et pourtant peut-être "plus  vrai que la vie".

La tristesse qui s'empare du vieil acteur a pour ponctuation les rires que provoquent son ivrognerie et ses exhortations à la tempérance, ses trous de mémoire qui obligent les deux personnages à reprendre le texte tout en modifiant avec humour les jeux de scène. Et puis soudain, le vieillard renaît de ses cendres, et nous transmet son amour des beaux textes qu'il dit magnifiquement.

 Le souffleur quant à lui est interprété de manière cocasse par Adrien Gygax qui nous propose plusieurs versions différentes et hilarantes de ce personnage tout en se plaignant, en tant qu'Adrien, des caprices du metteur en scène. La mise en scène se fait et se défait sous nos yeux pour notre grand plaisir.

 En même temps et toujours en provoquant le rire, il y est question  de la disparition du rôle du souffleur dans le théâtre contemporain et de ses équivalences technologiques, oreillette, surtitrage... des mises au point sur le son, sur  la lumière. La scénographie et ses secrets se mettent en place.  Nous sommes au coeur de la création. Tout nous parle du théâtre, de cette passion qui habite Svetlovidov et Nikitouchka et qu'ils transmettent aux spectateurs.  

La pièce est donc un bel hommage au théâtre et aux grands auteurs, c'est aussi une réflexion nostalgique sur la vieillesse et la mort et le  regret de la jeunesse enfuie. Entre rire et émotion. Pourtant, je place ici un petit bémol :  j'ai trouvé que  la mise en abyme, aussi riche soit-elle, détournait parfois de l'histoire du "vrai" Vassilievitch, c'est pourquoi je suis curieuse de voir un jour la pièce de Tchekhov. Mais ne boudons pas notre plaisir, le spectacle est intéressant et je l'ai beaucoup aimé.

Théâtre Girasole
Le chant du Cygne -Fantaisie

À 20h30

Durée : 1h15

à 20h30 : du 7 au 30 juillet
Compagnie du Passage
Interprète(s) : Roger Jendly, Adrien Gygax 
Metteur en scène : Robert Bouvier 
Collaboration artistique : Vincent Fontannaz

• Scénographie, costumes : Catherine Rankl
• Musique originale : Mirko Dallacasagrande
• Univers sonore : Julien Baillod
• Création lumières : Pascal Di Mito
• Création vidéo : Alain Margot
• Maquillage : Talia Cresta
• Régie générale : Bastien Aubert
• Administration : Danielle Monnin Junod
• Production : Damien Modolo
• Diffusion : Créadiffusion

 

Visites à Mister Green de Jeff Baron festival OFF d'Avignon

Ross, jeune cadre chez Américain Express, renverse avec sa voiture Mr Green, un vieillard de 86 ans. Accusé de conduite dangereuse, il est condamné à rendre une visite hebdomadaire à sa victime durant 6 mois. Mister Green, vieil homme irascible, refuse toute aide et toute compagnie. Il veut juste un peu de paix et de tranquillité. Lorsque Ross se présente chez lui sans y être invité, il ne lui fait pas bon accueil, c'est le moins que l'on puisse dire.

La pièce Visites à Mister Green de Jeff Baron, écrivain et dramaturge américain, a obtenu de nombreux prix dans le monde ainsi qu’un Molière en France. Et on le comprend ! Voici une pièce dont le dialogue vif, brillant, est à la fois source d’humour et d’émotion, un beau texte qui ne cesse de nous toucher. Une pièce qui, tout en tenant le spectateur en haleine, est une belle leçon de tolérance et d’amitié.

Mister Green est un vieil homme qui vient de perdre sa femme. Il s’enfonce dans la solitude et perd le goût de vivre. Peu à peu nous le découvrons : son amour pour son épouse disparue, son attachement à la religion juive qui le rend intolérant, intransigeant et peu compréhensif envers ceux qui, d’après lui, outrepassent les principes… comme sa propre fille par exemple ! Juif lui aussi, Ross souffre de l’intolérance de son père et de la société qui le rejettent parce qu’il est homosexuel. Il n’ose pas s’affirmer en tant que tel et souffre de cette vie de mensonges.

Les deux hommes vont peu à peu nouer de difficiles liens d’amitié et apprendre l’un de l’autre. L’intolérance et le rejet font souffrir aussi bien ceux qui subissent que ceux qui haïssent. L’évolution des deux personnages mène à un dénouement où l’espoir est possible !

Le décor très réaliste montre un appartement, cuisine et salon, figé dans le temps. Le spectateur est amené à voir dans le mobilier vieillot et usé les traces de la vie du vieux couple; dans la saleté et le désordre qui règnent, la disparition de l’épouse modèle, si docile et si prompte à faire plaisir à son mari.  "Jamais une dispute !"  proclame le vieillard. Oui, mais… je ne vous en dis pas plus et vous laisse le découvrir !

Les deux comédiens qui interprètent ces rôle sont excellents et font mouche à chaque coup : nous rions avec eux et nous partageons leur souffrance et la difficulté d’être.

Jacques Boudet est un formidable Mister Green, bougon, entêté, plein de préjugés, et pourtant profondément humain quand sa carapace peu à peu se brise. Thomas Joussier qui est aussi le metteur en scène est un Ross altruiste, compatissant, profondément blessé par ceux qui l’entourent. Tous deux nous touchent et nous retournent.

Visites à Mister Green est le coup de coeur que j’ai attendu pendant tout le festival même si j’ai vu des pièces qui m’ont beaucoup plu par ailleurs.

Visites à Mister Green de Jeff Baron
Mise en scène de Thomas Joussier

Chien qui fume à 10h45

Durée : 1h20

:du 7 au 30 juillet - Relâches : 12, 19, 26 juillet

La tempête de Shakespeare Compagnie Les Têtes de Bois festival OFF d'Avignon

Avant cette représentation de La Tempête mise en scène par  Mehdi Benabdelouhab, j'avais  déjà vu la pièce de Shakespeare au festival d’Avignon  : ICI  et aussi  au festival de Marseille, en danse contemporaine : ICI

L'intrigue de la pièce de Shakespeare

La tempête : le naufrage

Prospéro, duc de Milan, a été dépossédé de son royaume par son frère Antonio. Celui-ci, après avoir usurpé le trône, exile Prospéro et sa fille Miranda, les jetant dans une barque qui les conduit dans une île enchantée. La seule créature de forme humaine qu'ils y trouvent est Caliban, un monstre hideux, fils de sorcière, qu'ils traitent avec bonté. Mais la nature brutale de Caliban est rebelle à l'éducation et Prospero ne peut avoir prise sur lui que par la force.

Prospéro qui a pu conserver sa bibliothèque dans son exil apprend la magie dans un livre occulte et parvient à dominer les forces de la nature. Il se rend maître d'Ariel, Esprit de l'air et avec sa collaboration, sachant que le navire de son frère va passer auprès de l'île, il commande une tempête qui va jeter les naufragés sur  son île. Ferdinand, le fils d'Alonso, roi de Naples, isolé des autres, rencontre Miranda et les deux jeunes gens tombent amoureux l'un de l'autre. Prospéro qui a pour dessein de les marier feint de vouloir les séparer pour mieux attiser leur amour.

Antonio, le duc usurpateur, Alonso, le roi de Naples et leurs compagnons sont rejetés sur une autre partie de l'île. Antonio  fomente un complot contre Alonso avec le frère de celui-ci, Sébastien, pour s'emparer de Naples. Tous vont être amenés à rencontrer Prospéro et être sous sa domination. Celui-ci pardonne à son frère, célèbrent les fiançailles des enfants et, après avoir libéré Ariel, renonce à la magie en brûlant son livre. Tous ensemble, ils quittent l'île.

La compagnie les Têtes de Bois

Prospéro et Ariel marionnette

 La compagnie Les Têtes de Bois signe, avec cette mise en scène de La Tempête, un spectacle à fois poétique, burlesque et tragique, les trois dimensions que nous offre le texte de Shakespeare.

Le metteur en scène Mehdi Benabdelouhab veut, en effet, souligner sous la magie et la féérie, l’amertume de la pièce et le pessimisme du dramaturge face à la nature humaine. Dans cette pièce, en effet, la lutte pour le pouvoir est âpre et ne recule devant aucune forfaiture, usurpation, trahison, meurtre. Prospéro a été évincé du pouvoir par son frère Antonio, Sébastien projette de tuer son frère Alonso, le roi de Naples. Du simple marin à l’aristocrate, tous complotent pour dominer les autres et les soumettre. Et si Prospéro parvient à les réconcilier, il lui faut pour cela utiliser ses pouvoirs magiques et user lui aussi, de violence. C’est une pièce où il est toujours question de liberté car personne ne peut en jouir : C’est ce que réclame Caliban mais aussi Ariel. Tous sont prisonniers et ne peuvent s’échapper.  Les jeunes gens, eux aussi, sont soumis à une stricte obéissance. Même Prospéro qui domine les autres n’aura plus aucun pouvoir quand il renoncera à la magie.

 La mise encore scène inventive, enlevée, met donc en relief la complexité de la pièce servie par une très belle scénographie, toile blanche qui devient proue et voiles du navire secoué par la tempête, vagues monstrueuses qui montent à l’assaut des spectateurs, au milieu d’éclairs et de coups de tonnerre, action rythmée par la musique jouée in situ, jeux de lumière, tout contribue à emporter le spectateur dans le rêve. Les costumes sont aussi d’une grande beauté, kimonos bleu et rouge de Miranda, magnifique tenue de samouraï pour les hommes. Aucune raison de justifier ce choix esthétique, les lieux shakespeariens sont si flous et l’île de Prospéro est de toutes façons située dans un ailleurs poétique…

La tempête : Caliban et les marins

Si Prospéro et les jeunes amoureux encore innocents sont visages nus, les autres personnages portent des masques, comme pour mieux effacer leur nature humaine et révéler l’animalité en eux. Ainsi Caliban, mi-bête, mi-homme et les marins ivrognes et stupides qu’il se donne pour maîtres ! Ce sont eux qui représentent le grotesque shakespearien que prônait Victor Hugo pour le drame romantique. J’ai pourtant une peu regretté que Caliban soit traité toujours de la même manière dans le mode comique car cela ne rend pas assez compte de sa sensibilité à la beauté de la nature, ni du symbole qu’il représente, celui de l’indigène colonisé par des maîtres qui le considèrent comme un  « Sauvage » mais qui ne sont pas meilleurs que lui.

Quant à Ariel, l’esprit du vent, il apparaît tour à tour sous la forme d’un visage lunaire derrière la toile de fond, ou comme une marionnette, fragile, pleine de poésie.

Les comédiens sont bons dans tous les registres mais je me suis interrogée sur la place donné au trio comique de Caliban qui prend beaucoup d'importance par rapport à Prospéro, Miranda et Sébastien. Il me semblait que ces derniers avaient un rôle plus long dans la pièce? Mais il s’agit d’un ressenti personnel et je peux me tromper.

Quoi qu’il en soit j’ai beaucoup aimé cette belle et intéressante interprétation.

Caliban, Prospéro et Miranda

L'histoire d'une femme de Pierre Notte festival OFF d'Avignon

J’ai vu un homme à vélo, se rapprocher d’une passante, elle traversait la rue, il roulait, je l’ai vu ralentir, lui mettre une main aux fesses, et repartir en riant. La femme s’est effondrée. Je me suis approché, je voulais lui demander pardon au nom de toute l’humanité des hommes, elle m’a rejeté, parce qu’elle a vu en moi une autre menace, un autre danger masculin". Pierre Notte

Pierre Notre, est un auteur qui m’intéresse depuis que j’ai vu  ses pièces Les pédagogies de l’échec  au théâtre des Halles et  Ma folle otarie. L’histoire d’une femme  m’a donc attirée, à priori.

Avant le spectacle, la comédienne Muriel Gaudin pose des questions aux spectateurs : combien y a t-il de femmes directrices d'un théâtre? Combien de femmes entrepreneurs? Quelle est la différence entre le salaire d’un homme et celui d’une femme? etc..   Si vous répondez juste vous gagnez une pastille vichy. Une mise en bouche si j’ose dire pour le spectacle féministe qui nous attend.

La pièce est faite de petits récits qui se succèdent et qui finissent par former le portrait de cette femme, de son enfance à cet instant où elle gît sur la chaussée, évanouie. Tout la ramène à ce choc traumatique : sa chute de vélo lié au geste humiliant et violent d’un homme.

Au cours de ces histoires successives, on comprend bien pourquoi celle-ci ne supporte plus les hommes et pourquoi elle se réfugie dans le silence. Mais la pièce ne m’a pas complètement convaincue parce qu’il y a trop de redondances dans la goujaterie sexuelle des hommes :  après le vélo, elle est agressée deux fois dans le métro.  On finit par se demander s’il existe un homme bien sur cette planète ! Puis les fantasmes de cette fille, ses excès, tout une manière d’agir ne la rendent pas sympathique; les relations qu’elle noue avec le collégien sont assez bizarres et finalement peu crédibles. Après tout, on comprend pourquoi ses collègues masculins et même son patron ne peuvent plus la supporter malgré une certaine bonne volonté de leur part !

Je sais bien que l’auteur veut montrer la libération d’une femme mise sous éteignoir par les hommes, son père, son frère, son ex, ses collègues, les voisins, les obsédés qu’elle rencontre dans la rue. Mais trop, c’est trop ! Plus qu’une pièce féministe, j’y ai vu l’analyse d’un glissement vers la folie. Quant à sa libération de l’hôpital psychiatrique, elle est loin d’être rassurante !

Donc, j’ai des restrictions par rapport à la pièce. Cependant, Muriel Gaudin porte sur ses épaules ce rôle lourd et difficile et elle y est excellente.

L'histoire d'une femme de Pierre Notte

Théâtre 3 Soleils 13H40

 metteur en scène : Pierre Notte

interpète : Muriel Gaudin

Carmen Flamenco d'après Mérimée, Bizet, Louise Doutreligne Festival OFF d'Avignon

Carmen Flamenco : Ana Perez, José luis dominguez, Luis de de la Carrasca, Magali Paliès

Pour ce spectacle Carmen Flamenco, ce n’est pas Carmen que j’ai choisi  (je connais trop le livre et l’opéra ! ) ni le flamenco (je ne connais pas du tout!) c’est le metteur en scène Jean-Luc Paliès et sa complice Louise Doutreligne dont j’ai vu il y a quelques années les inoubliables Dom Juan d’origine et Vita brevis.

Carmen flamenco est un spectacle écrit par Louise Doutreligne à partir de l’histoire de la Carmen de Mérimée et Bizet, mêlant chants lyriques, Cante Jondo et danses Flamenco. Le Cante Jondo ou chant profond en espagnol andalou est un un type de chants anciens à l’origine du Flamenco. C’est du moins la définition simplifiée que j’ai pu trouver sur le net. Un curieux mélange au départ mais qui se complète parfaitement.

Sur scène un beau rideau de scène représente les remparts de Séville, noirs sous un ciel écarlate. Un comédien incarne le personnage principal, José. Il est allongé sur un lit, dans sa prison. C’est le narrateur. Il n’interprète pas le rôle, il est plutôt le passeur car il introduit les personnages et les met en présence tout en déroulant le fil du récit.

L’opéra de Bizet - chanté en espagnol - est étroitement liée au répertoire gitan andalou, la voix du chanteur flamenco, Luis de la Carrasca, et celle de la chanteuse lyrique Magali Paliès offrant un duo réussi. Tous les personnages sont ainsi chantés et/ou dansés par un couple de « bailaores », accompagnés par deux musiciens à la guitare et au piano.

Je n’ai pas eu besoin de connaître  les règles et les principes du Flamenco pour apprécier la virtuosité des danseurs, des musiciens et du chanteur, leur complicité entre eux et la précision de cette danse, la rigueur qu’elle réclame dans chaque geste des mains ou claquement des pieds. Le rythme est fou et endiablé, crescendo, mais reste toujours parfaitement maîtrisé. C’est beau, entraînant, joyeux et sauvage à la fois, et surtout cette mise en scène renouvelle l’opéra, lui apportant quelque chose d’un peu fou, de libéré, qui est dans le caractère de Carmen, la rebelle.

Ici, contrairement à l’opéra, ou du moins aux mises en scène que j’ai vues, Carmen n’apparaît pas comme une femme fatale et mauvaise qui entraîne le pauvre et faible héros dans la déchéance. C’est avant tout une femme libre aussi bien par rapport à la société que sexuellement, par rapport aux hommes. En fait, c’est elle qui est la victime de José dont le caractère violent s’est affirmé bien avant qu’il ne la connaisse. Plusieurs fois meurtrier, il ne supporte pas qu’elle lui échappe.

Un spectacle original, passionné, que je suis heureuse d’avoir vu !

Carmen Flamenco de Louise Doutreligne au Chêne noir

À 22h00

Durée : 1h10

+33 (0)4 90 86 74 87

 Danse-théâtre

Interprète(s) : Luis de la Carrasca, Magali Paliès, Benjamin Penamaria, José Luis Dominguez, Jérôme Boudin-Clauzel, Ana Pérez, Kuky Santiago

Metteur en scène : Jean-Luc Paliès 

Technicien son : A. Dalmasso 

Création lumières : JM Dutriaux

Les bonnes de Genêt mise en scène de Katie Mitchell Festival In d'Avignon

De Meiden d'après les Bonnes de Jean Genêt, mise en scène de Katie Mitchell

J'ai lu et présenté Les Bonnes dans mon blog ICI 

Deux bonnes, Claire et Solange, profitent de l'absence de Madame pour investir sa chambre : Claire enfile une robe de sa maîtresse et devient Madame et Solange joue le rôle de sa soeur cadette Claire. Leur conversation nous apprend par bribes et par recoupements que Claire a accusé Monsieur de malversations par une lettre anonyme. Il est maintenant en prison. Et Solange a cherché à tuer Madame sans avoir le courage d'aller jusqu'au bout. Mais elles reçoivent un coup de téléphone de Monsieur qui est libéré et comprennent qu'il a découvert la vérité et va la révéler à Madame. Elles décident de tuer leur maîtresse en empoisonnant son tilleul. Celle-ci qui a appris la bonne nouvelle part rejoindre son amant en refusant de boire la tisane. Solange et Claire reprennent leur jeu de rôles. Claire redevenue Madame boit le tilleul présenté par Solange-Claire et meurt. Toutes deux ont perdu le sens de la réalité et leur véritable identité. 

La pièce surtitrée est présentée en néerlandais et polonais car Katie Mitchell, metteure en scène anglaise qui vit au Pays-Bas, a voulu transposer l'action de la pièce de Genêt à Amsterdam, dans un milieu bourgeois qui emploie (et exploite) des bonnes immigrées polonaises. Ceci afin de mieux coller à l'actualité. 

Autre transposition qui personnellement me convainc moins, Katie Mitchell fait de Madame un transsexuel. Féministe, elle ne veut pas montrer l'exploitation des femmes par une femme mais par un homme. A la limite ceci me paraît parfois gênant car les séances d'habillage de "Madame"  avec le harnachement spécial pour la transformation d'un homme en femme paraît anecdotique et détourne l'attention du sens de la pièce.

Sur la scène, une chambre à coucher cossu et un dressing bien fourni. Le décor rompt le huis clos par l'aménagement d'un couloir, espace qui permet une échappée vers la cuisine : deux domaines séparés et opposés. La metteure en scène, en effet, met l'accent sur le conflit social, l'exploitation des bonnes, la maltraitance.

 Genêt faisait agir Madame comme une privilégiée un peu sotte, égocentrique voire égoïste, incapable de comprendre les sentiments des  personnes à son service et de ce fait les humiliant sans même s'en rendre compte. Katie Mitchell, elle, met en scène une "Madame", homme brutal, violent, qui humilie physiquement les bonnes, en les frappant et les terrorisant. La Madame de Genêt est "bonne" envers ses "bonnes"; l'auteur joue d'ailleurs sur ces mots. Du coup, l'humiliation est plus subtile et plus perverse finalement que celle imaginée par K. Mitchell. 

La mise en scène propose donc un point de vue auquel je n'ai pas complètement adhéré mais qui se défend même si le spectacle est un peu froid. Mais il faut dire que les monstrueuses bonnes de Genêt ne peuvent pas attirer l'empathie et pour cause !  Ajoutons que les trois comédiens sont excellents. 

La fille de Mars d'après le Penthésilée de Von Kleist Festival In d'Avignon

Achille et Penthésilée : la fille de Mars mise en scène de Jean-François Matignon

La fille de Mars d'après Penthésilée de Von Kleist

"Sur le plateau, Penthésilée l'Amazone apparaît. Elle raconte l'histoire. Celle qui a eu lieu, il y a longtemps, celle du siège de Troie. Elle y a combattu Achille qui a perdu la vie par amour pour elle, alors que la guerre ne devait engendrer que des captifs et des naissances. Penthésilée et Achille sont morts maintenant. C'est dans ce lieu, près des corps des amants, que celle qui revient d'après la catastrophe, raconte. Elle parle de l'histoire de son peuple depuis ses origines, de la loi des Amazones, des ultimes paroles d'Otréré, sa mère, de sa rencontre avec Achille, rencontre solaire sur le champ de bataille, et du bouleversement radical qui la saisit et l'entraîne loin de son devoir. Penthésilée se remémore « l'onde de choc », les corps engagés dans une guerre amoureuse, la terre brûlée, vibrante, zone de stridences et de crissements. Jusqu'au bout, par la force de la parole, elle rejouera la mise en scène de cet amour à mort, sous le regard de sa confidente et amie de toujours, Prothoé. La langue de Heinrich von Kleist, dans la traduction de Julien Gracq, fait revivre le chant désespéré de cette femme qui se déchire entre la culture qui l'a façonnée et la brûlure incandescente du premier homme".

Je ne connaissais qu'une pièce Le prince de Hombourg de Heinrich Von Kleist, écrivain romantique allemand, c'est pourquoi j'ai tenu à voir La fille de Mars que j'ai découverte pour la première fois dans la mise en scène de Jean-François Matignon.

 Sur le plateau des jeux de lumière, des clairs-obscurs, permettent au spectre de Penthésilée morte depuis longtemps de revenir des Enfers pour nous conter l'histoire : son amour fou pour Achille et sa condition de reine des Amazones. Elle se débat dans un conflit entre l'obéissance aux lois de son peuple dont elle est la représentante et la passion qu'elle éprouve pour le valeureux héros grec, Achille. Les filles de Mars sont vouées au dieu de la guerre, Mars, et ne doivent pas choisir leurs amants; elles doivent vaincre les hommes qu'elles attaquent, et se servir de leurs prisonniers comme reproducteurs, c'est tout. Sur les pans des murs écroulés d'un antique cité, défilent des images des fondatrices du peuple des Amazones. Mais le reste du plateau paraît bien encombré avec son arbre mort, ses fleurs, ses animaux empaillés.

Le metteur en scène a dédoublé le personnage de Penthésilée, celle qui est dans l'action n'est donc pas la même que celle qui raconte. Pourquoi pas? Une mise à distance entre le passé et le l'actualité du récit, une façon pour la Penthésilée disparue de faire revivre le présent. Mais il se trouve que la comédienne qui interprète la Penthésilée vivante est peu convaincante et j'ai trouvé, de plus, que l'acteur qui joue Achille, n'était pas à la hauteur et ne paraissait pas dans le coup.  Difficile alors d'apprécier la représentation.

La langue de cette pièce est recherchée mais paraît dépassée. Romantisme désuet ou ampoulé, peut-être ? La comédienne qui joue la Penthésilée morte a une très belle voix mais le texte sonne d'une manière grandiloquente ; on peut dire la même chose de celle qui raconte la fin terrible d'Achille, long récit qui narre la mise à mort du Héros comme dans une pièce classique. La pièce est longue, parfois redondante comme lorsqu'elle revient à deux reprises sur l'histoire des Amazones. Et surtout,  je ne me suis jamais sentie concernée par cette fille de Mars dont la passion dévorante et destructrice qui se poursuit en longs actes soporifiques ne m'a jamais touchée. Le débat qui l'agite est pourtant très courant dans la tragédie mais là je n'ai senti aucune empathie envers ses sentiments.  Le personnage est trop loin de nous, trop barbare, et m'a même été assez vite insupportable ! Je suis restée jusqu'au bout, ne voyant pas un moyen de m'échapper sans faire trop de bruit mais je me suis ennuyée !

 

Intra Muros de Alexis Michalik festival OFF d'Avignon

Résumé de la pièce de Alexis Michalik  : Intra-muros.

"Tandis que l'orage menace, Richard, un metteur en scène sur le retour, vient dispenser son premier cours de théâtre en centrale. Il espère une forte affluence, qui entraînerait d'autres cours - et d'autres cachets - mais seuls deux détenus se présentent : Kevin, un jeune chien fou, et Ange, la cinquantaine mutique, qui n'est là que pour accompagner son ami. Richard, secondé par une de ses anciennes actrices - accessoirement son ex-femme - et par une assistante sociale inexpérimentée, choisit de donner quand même son cours…"

Intra-muros, oui, quatre murs, quelques chaises, un éclairage assez triste, le décor dénudé d'une prison et un huis-clos d'où nous allons pouvoir nous évader par la force de l'imagination. Car c'est cela le théâtre et c'est ce que Richard apprend à ses "élèves" détenus, l'imagination ouvre les portes de toutes les prisons et le théâtre permet  de vivre une vie rêvée à côté de celle qui est réelle... A moins que la vie rêvée ne soit la vraie ? Car le spectateur va à tâtons dans cette découverte d'une histoire qui en entraîne une autre, puis une autre, comme des poupées gigognes.

D'Alexis Michalik, j'avais vu deux pièces en 2015 :  Le cercle des Illusionnistes et le porteur d'histoire et je retrouve ici dans Intra-muros le style de l'auteur qui mêle réel et imagination, qui fait endosser tour à tour par chaque comédien l'un ou l'autre des personnages. Peu à peu se construit une histoire, par bribes, par petits morceaux qui s'assemblent comme un puzzle en révélant parfois des instants surprenants.

 J'ai cependant un peu moins aimé que les deux spectacles susdits, le sujet est moins fantastique, et certains moments de la pièce sont un peu démonstratifs ou attendus : ainsi le récit de l'adolescence du jeune des cités ou le choix d'un nationaliste corse comme détenu. 

Cependant les comédiens qui les interprètent sont tous convaincants et la pièce nous balade entre rire et émotion. Un bon spectacle !

Intra Muros

Théâtre Des Béliers

À 10h30 / 22h35

Durée : 1h40

du 7 au 30 juillet - relâches les 14, 21, 28 juillet
Séances supplémentaires à 22h35 les 13, 20 & 27 juillet

 Interprète(s) : Jeanne Arènes, Paul Jeanson, Bernard Blancan, Alice De Lencquesaing, Fayçal Safi, Raphaël Charpentier 

Metteur en scène : Alexis Michalik

Acmé production 

Festival OFF d'Avignon : Lysistrata d'Aristophane

Depuis que j’ai lu Lysistrata au cours d’une lecture commune, j’avais envie de voir cette pièce qui est un beau plaidoyer contre la guerre et pour une vraie démocratie et aussi un texte féministe avant la lettre. Voilà ce que j’en écrivais à l’époque :

La comédie d'Aristophane, Lysistrata, est jouée en 411 av. JC, dix-huit mois après la défaite des Grecs en Sicile. Athènes se relève mal de cette déroute, affaiblie par les pertes en hommes. D'autre part la guerre du Péloponnèse qui oppose Athènes à Sparte avec de brèves trêves dure depuis 431. (Elle ne finira qu'en 404 avec la victoire de Sparte)
Aristophane écrit cette pièce pour dénoncer les horreurs de cette guerre fratricide et dire le bienfaits de la paix. Il imagine que ce sont les femmes qui vont intervenir pour contraindre leurs époux à conclure la paix puisque ceux-ci sont incapables d'être raisonnables.
Lysistrata*, une jeune athénienne prend la tête de ce mouvement en donnant rendez-vous à ses amies au pied de l'Acropole. Elle a un plan qu'elle va soumettre à l'assemblée :  pour convaincre les hommes de mettre fin à la guerre, les femmes doivent faire la grève du sexe en se refusant à leur mari tant  que ceux-ci n'auront pas signé la paix. Elles se barricadent ensuite sur l'Acropole où est déposé le trésor d'état et refusent que celui-ci soit utilisé pour la guerre. Elles prennent ainsi le pouvoir et décident de gérer le budget de la ville comme elles le font pour celui de la maison. Evidemment, les épouses de toutes les régions de la Grèce feront de même. Voir la suite  ICI

La jeune compagnie qui interprète la pièce dégage une belle énergie, courses effrénées, fureur, cris et tremblements, participation (involontaire) des spectateurs. On peut dire que l’ensemble est enlevé et que les comédiens n’épargnent pas leur souffle ! Le spectacle est tiré vers la farce et provoque le rire des spectateurs.

 Il manque, cependant la dimension politique de la pièce - en particulier la réflexion sur la démocratie, sur la corruption des hommes politiques, sur l’égalité de tous les citoyens étrangers ou non, sur la nécessité de travailler pour le bien commun…  Ce qui fait d’Aristophane un auteur universel. A travers les siècles, il nous donne une belle définition de la démocratie que nous n’avons pas encore atteinte aujourd’hui !  Et comme ce sont les femmes qui développent cette conception, on peut voir combien il est en avance sur son temps !

Cet aspect de la pièce m’a paru juste amorcé et le texte semble ne pas être intégral et avoir subi des coupures. Les acteurs sont sympathiques et l’on passe un agréable moment en leur compagnie.

Lysistrata théâtre Atelier 44

à 16h50 : du 7 au 30 juillet

Compagnie La STRADA 

Metteur en Scène : Olivier Courbier

 Interprète(s) : Félicien Courbier, Léonard Courbier, Sidonie Gaumy, Lucile Marmignon, Aylal Saint-Cloment, Noémie Zard 

 

 

Festival Off d'Avignon : Logiquimperturbabledufou mise en scène de Zabou Breitman

Logiquimperturbabledufou de Zabou Breitman

"Le terme de « logique imperturbable du fou », provient d’une phrase dans le roman de Lydie Salvayre, que j’ai adapté au théâtre La Compagnie des Spectres. « Logiquimperturbabledufou », la phrase se lit d’un jet, comme si une personne l’avait écrite d’une écriture automatique, de manière intuitive. De cette façon, le titre est comme un cadavre exquis, une technique que j’utilise dans la mise en scène, où l’on passe d’une séquence à l’autre, sans transition classique. Ici, on se situe chez les fous, et le fou a raison : c’est ça la « logique imperturbable ». Cela dit, comme l’écrit Tchekhov, ne sommes-nous pas tous plus ou moins atteints de ces névroses bien ancrées, dans cette « logique imperturbable » dont on parle… "  Texte de Zabou Breitman 

Dans la pièce Logiquimperturbabledufou mise en scène par Zabou Breitman, celle-ci s’appuie sur des textes de Tchekhov, Lewis Caroll, Shakespeare, de l’humoriste Zouc et d’elle-même.

Si elle nous entraîne dans l’exploration de la folie, maladie mentale, c’est aussi le monde de l’absurde et du surréalisme que nous sommes amenés à côtoyer, ceci en prenant le partie de nous faire rire. Et c’est vrai que l’on rit dans ce spectacle monté par Zabou Breitman. L’on va de surprises en surprises tant la mise en scène est aussi folle que le sont les personnages qui évoluent sur scène.

Au début, l’on se dit que les malades ne sont pas fous car leurs propos paraissent construits et raisonnables. C’est cela la logique imperturbable du fou. Il voit le monde différemment et pense que c’est la bonne façon de le voir. 

Le spectateur s’aperçoit bientôt que les médecins et les infirmiers font la même chose avec leur protocole de soins qui semble les rassurer et mettre de l’ordre là où il n’y en pas, avec leurs règles rigides, leurs certitudes de détenir la vérité. Peut-être est-ce pour mieux lutter contre le vertige qui les prend quand on côtoie ainsi la folie de si près. Car dit Tchékov et Zabou Breitman avec lui  : « Du moment qu’il existe des prisons et des asiles, il faut bien qu’il y ait quelqu’un dedans. Si ce n’est vous, c’est moi ; si ce n’est pas moi c’est quelqu’un d'autre".

Le spectateur est entraîné dans des raisonnements absurdes, des situations cocasses, dans un univers à l’envers. Sur cette scène vide traversée parfois par des fauteuils roulants, des chariots de médicaments, des lits médicaux, évoluent des infirmiers en blouse blanche bizarrement coiffés : entonnoir, couvre-chef du Chapelier fou, couronne de la Reine de Coeur. Les lapins semblent proliférer, sautant dans tous les coins, se figeant dans les jeux de lumière, sous l’éclair qui les surprend dans la nuit noire.  Drôle d’hôpital ! Nous sommes dans le monde d’Alice au pays des Merveilles, un univers absurde ou rien n’obéit à la logique et la raison. Quant aux fous, ils se révèlent peu à peu véritablement malades. C’est ce que nous découvrons à travers les répétitions de leurs plaintes et de leurs maux. Et si l’on rit d’eux, il n’en reste pas moins que leur souffrance est réelle et que l'on ne peut l'oublier.

Les quatre jeunes comédiens sont excellents . Ils jouent à merveille l’absurde, la dérision et la déraison. Ils sont danseurs, équilibristes, acrobates. Leurs évolutions capricieuses, hasardeuses, hilarantes parfois, qui semblent n’obéir à aucune loi, sont, bien au contraire, réglées par une chorégraphie précise, une mise en scène rigoureuse et maîtrisée.

Un  spectacle à ne pas rater !

Logiquimperturbabledufou
Théâtre des Halles 19H30 durée 1H20
Mise en scène Zabou Breitman

Assistante à la mise en scène Pénélope Biessy


Avec Antonin Chalon, Camille Constantin, Rémy Laquittant, Marie Petiot
librement inspiré d’oeuvres d'Anton Tchekhov, Lewis Carroll, William Shakespeare, quelques mots de Zouc et de textes de Zabou Breitman


chorégraphie Gladys Gambie

http://www.anthea-antibes.fr/fr/spectacles/saison-2017-2018/tout-le-theatre/logiquimperturbabledufou

Victor Hugo : L'intervention

L’intervention est une petite comédie en un acte assez curieuse par rapport à l’écriture de Victor Hugo. Ici pas de romantisme mais un réalisme qui montre que l’auteur connaît bien la classe ouvrière.

La pièce a été écrite en 1866 à Guernesey et fait partie de Théâtre en liberté. Elle  n’a été montée pour la première fois qu’en 1964 par la groupe théâtral du Lycée Louis Le Grand. Patrick Chéreau en était le metteur en scène et Jean-Pierre Vincent, le baron de Gerpivrac. Jean-Pierre Vincent dont j’ai vu un Dom Juan inoubliable à la maison de la culture de Reims !

Un couple d’ouvrier Marcinelle et Edmond Gombert vivent pauvrement dans une chambre mansardée. Lui est peintre sur éventails et elle dentellière, ce qui nous vaudra tout un cours précis et renseigné, bien dans la manière de Hugo, sur sur la confection de la dentelle! Tous deux sont unis par un chagrin profond, la mort de leur enfant en bas âge. Mais tous deux en ont assez de la pauvreté et de toutes les privations que cela entraîne. Pour Edmond, la tentation arrive sous la forme de Mademoiselle Eurydice, chanteuse entretenue par un baron, ancienne dentellière elle aussi. Pour Marcinelle, c’est le Baron de Gerpivrac, un noble riche et désœuvré, vain et snob, égoïste incapable de compassion,  tout ce que déteste Victor Hugo. Si Edmond est attiré par la mise coquette et le brio de la jolie Eurydice, Marcinelle, elle, éprouve la tentation de l’argent avec le baron. Pouvoir enfin avoir de belles robes, être brillante, admirée, ne plus avoir à compter chaque sou, à vivre dans la misère !

Vont-ils céder à la tentation, vont-ils se séparer malgré leur amour ?

Ce qui est à noter, c’est combien le langage des personnages sonne juste. Ce sont vraiment des ouvriers qui parlent et la pauvreté est un lourd fardeau à porter. Elle entraîne des disputes, des jalousies. Elle sape les sentiments les plus profonds. La mésentente s’installe dans le couple. Ainsi cette scène ou Marcinelle reproche à son mari de ne pas vouloir lui acheter un nouveau bonnet et le traite d’avare.

Pourtant, Edmond n’a pas honte de sa condition d’ouvrier, il en est même fier :

« Oui, je suis du peuple et je m’en vante. Je pense comme le peuple et je parle comme le peuple. J’ai les bons bras du courage et j’ai le bon coeur de l’honnêteté. »

Mais ce qui le révolte, ce qui le ronge, c’est l’injustice sociale  :

« Je travaille, je ne m’épargne pas, et je ne peux pas parvenir à joindre les deux bouts. L’autre jour, j’ai vu passer un général tout chamarré, le poste a pris les armes, pourquoi lui rend-on des honneurs à celui-là? «

« Voilà ma femme, je l’aime. Et bien, je suis forcé de lui refuser un méchant chiffon de bonnet. »

Cette injustice lui fait nourrir des idées révolutionnaires :

Benjamin Constant avait raison de dire aux Bourgeois : ça finira mal. Ah! les riches ne veulent pas laisser les pauvres en paix ? Est-ce que nous sommes encore dans la féodalité par hasard ? Le droit du seigneur ? Ah! vous venez chez nous, messieurs. Eh bien, on fera les barricades !

Marcinelle aime son mari et elle est jalouse car il lui semble qu’il regarde les jeunes femmes bien habillées mais il lui rend la pareille et lui reproche d'être attirée par les beaux messieurs. Il semble qu’elle souffre plus que lui de sa condition sociale et des privations. Elle n’apprécie pas qu’il parle comme le peuple. Marcinelle ressemble à Mademoiselle Eurydice mais avant la chute. Elle est encore innocente. Le restera-t-elle longtemps avec de telles idées ?

Quant à Eurydice, même si c’est une femme légère, elle se révèle intelligente et pleine d’esprit. Elle a un sens critique aiguisé et beaucoup de lucidité sur les rapports sociaux. Elle  sait à quoi s’en tenir au sujet de son protecteur

Victor Hugo, par contre, ne cache pas son antipathie pour le baron à qui il fait dire : .

«  Chaque époque a son talent. Notre talent n’est pas à la bienfaisance. Il y a des temps pour la sensiblerie. Nous sommes plus sérieux. Nous voulons savoir ce qu’une chose rapporte »

et aussi

«  j’en ai assez d’Eurydice. Nous avons trop fait son éducation. Elle commence à avoir de l’esprit; Au fond c’est une rouge, cette fille-là. Elle a des mots de démagogue. Oh! si j’étais le gouvernement, comme je vous supprimerais la liberté de la presse ! »

Ainsi la pièce semble à priori légère mais l’on s’aperçoit bien vite que Victor Hugo y fait passer toutes ses idées sur l’injustice sociale, sa compréhension du peuple, son estime envers les ouvriers travailleurs et honnêtes. En choisissant de faire triompher l'amour conjugal, l'auteur montre la puissance des opprimés sur ceux qui les méprisent et veulent les pervertir.

Lecture commune avec  Nathalie ICI

Caroline Laure

Festival OFF d'Avignon : Une balade sans chaussettes

Dans ce spectacle de cirque qui mêle acrobatie, tours d'adresse, jeux comiques, jonglage, deux personnages, un garçon, une fille  évoluent avec grâce et agilité, parfois en complicité à la poursuite d'un avion léger dont ils suivent les acrobaties aériennes, parfois en rivalité, la fille jouant à la bagarre, l'épée en main, face au  garçon plus timoré. Ils pirouettent, exécutent des roulades, des sauts en avant ou en arrière, toute une chorégraphie qui se déroule en musique pour le plaisir des spectateurs.

La scénographie s'appuie sur une grande caisse de bois qui sert tour à tour de support pour les équilibres, de maison qui abrite toutes sortes de petits personnages, de prison qui retiendra prisonnier le garçon, de piste d'atterrissage aussi pour le petit avion qui nous avait fait décoller au début du spectacle...

Les deux comédiens jouent avec des robots, des objets qu'ils manipulent et animent, des légos qu'ils transforment à leur gré, château, ou mur d'une prison. Les jeux de scène, les maladresses voulues des personnages, leur art de faire bouger les poupées de chiffon ou ces incroyables marionnettes que sont leurs doigts de pied sont très amusantes. Le rire communicatif de Liam en a témoigné tout au long du spectacle..
Les jeux de lumière accompagnent très agréablement les évolutions des deux comédiens et ménagent de jolis moments poétiques. Ainsi dans cette scène ou la jeune fille jongle, les ombres des balles qui semblent se mélanger  sur le mur aux balles réelles créent un effet magique.
J'ai trouvé un instant que le rythme ralentissait mais c'est pour mieux repartir. Mes petits-enfants ont apprécié tous les deux le spectacle aussi bien à l'âge de 4 ans que de 7 ans.

Un beau spectacle de qualité pour jeune public.

Une balade sans chaussettes Collège la Salle 10H30 ou 16H30
durée :  à partir de 4 ans
relâche :  10 17 24 juillet
du 7 au 28 juillet - relâche les 10, 17, 24 juillet
à 10h30

du 7 au 28 juillet - relâche les 10, 17, 24 juillet
à 16h30

C’est à travers plusieurs disciplines de cirque (acrobaties, manipulation d’objets, jonglage), que ce spectacle souhaite évoquer la question du genre (et des stéréotypes qui peuvent parfois l'accompagner).
Complice, la ligne sonore et musicale accompagne le parcours ludique et poétique des 2 personnages.

Festival OFF d'Avignon : Oups et son Doudou méchant spectacle de marionnettes pour jeune public

Le spectacle Oups et son Doudou méchant fait pénétrer dans l'univers de Claude Ponti avec des marionnettes très réussies qui rappellent bien les originaux : Oups, lui-même, notre  mignon petit héros, son doudou tour à tour méchant puis gentil (il faut beaucoup de doudous-marionnettes pour interpréter ce personnage parfois un peu inquiétant !). Les Blayettes, les Boucheànourrir et l'affreux Crabamort, monstre-crabe qui piège les enfants, sont amusants ou effrayants à souhait ! 

Bien sûr, l'intégralité du livre ne peut être représentée et personnellement j'ai moins aimé les chansonnettes qui sont introduites et qui n'appartiennent pas au monde Pontitien ( j'ose dire ainsi?). Mais les décors sont jolis, vivement colorés, ainsi les petites maisonnettes en branches d'arbres. Et il y a une réelle inventivité dans la transformation de l'espace théâtral.  Les montagnes s'animent et se battent, le crabe explose et finit dans une marmite. Tout est joyeux et bien enlevé. Un agréable spectacle.

Les enfants, Léonie (7 ans) et Liam (4 ans) ont adoré tous les deux malgré leur âge différent.  Liam, en particulier, a été très sensible au comique et au décalage par rapport au réel et les chansons lui ont beaucoup plu.  On avait relu le texte juste avant d'aller au théâtre et le récit l'a ravi aussi bien à la lecture que sur scène. Un bon moment passé avec eux.

Oups et son doudou méchant  de Claude Ponti  collège la Salle 10H15
 durée : 45' de 4 ans à 8 ans
   Relâche les lundis 10 17 24 juillet 
Cie les Francs Glaçons

Oups, héros aux airs de petit Poucet, trouve un jour un doudou vide et abandonné. Il décide de le remplumer et d’en faire son doudou. Au début très câlin, ce doudou s’avère être méchant. Il pousse Oups à faire plein de bêtises en l’absence de ses parents. Tellement de bêtises qu’ils sont chassés du village. Oups finira même par détruire le monde qui s’éparpille en une pluie de morceaux de bouts de monde. Dans sa chute, Oups atterrit chez Crabamor Crabbador, l’autre méchant de l’histoire.Mais rassurons nous, dans ce spectacle, comme dans tous les livres de Cl. Ponti, à la fin il y a toujours « un tout est bien qui finit bien ». Avec persévérance et gentillesse, Crabamort sera vaincu. Oups soignera son doudou de sa méchanceté, et ils rentreront ensemble au village.

Festival OFF d'Avignon : Les yeux de Taqqi, spectacle jeune public à l'espace Alya

Les yeux de Taqqi est le premier spectacle pour enfants que nous sommes allés voir, mes petits-enfants et moi.

Taqqi, petit Inuit aveugle, "veut voir, veut savoir, veut pouvoir.” Il aimerait affronter l’ours polaire pour le tuer et devenir ainsi un homme. Mais sa cécité ne lui permettra pas, pense-t-il, de réussir cet exploit. Sa soeur le console alors que la vieille femme qui les a recueillis, lui et sa soeur, à la mort de ses parents, le rabroue et ne l’aime pas. Un jour, elle le met à la porte et le petit inuit part dans le vaste monde de glace et de neige.

Même si j’ai quelques petites critiques à propos de ce spectacle, je veux souligner d’abord sa qualité. Il s’adresse aux enfants avec intelligence. Les marionnettes du petit Inuit, de sa soeur et de sa grand mère, comme de la mère morte, sont d’une grande beauté, et celles des animaux aussi. Quant à la scénographie, elle est très épurée :  un îlot de glace, la lune dans un ciel noir et de magnifiques jeux de lumière qui isolent les personnages, les magnifient et donnent vie à l’ensemble. L’igloo qui s’illumine permettant au spectateur de voir les ombres des personnages à l’intérieur est aussi une belle trouvaille et une attention particulière est apportée à la bande son. La musique, l’ambiance sonore, cris des oiseaux de mer, bruit des vagues, ajoute un certain mystère à cet univers de glace.

Mes restrictions viennent de la longueur de la pièce. La vengeance envers la vieille grand-mère même si la scène est belle visuellement et permet de raconter la légende du narval unicorne introduit autre chose et nous éloigne du personnage. Mon ressenti est qu’une fois que Taqqi, jusque-là aveugle, ouvre les yeux pour la première fois après ces épreuves, tout est dit.  Donc la suite m'a paru longue et inutile.
D’autre part la scène où l’on voit Taqqi chevaucher l’ours au lieu de le tuer est intéressante car l’on l’impression que l’enfant passe victorieusement son épreuve de passage, la plus difficile peut-être ? Mais comme elle se termine par la mort du chien, on ne sait pas trop quel sens elle peut avoir. Cette scène n’aurait-elle pas dû être en fin d’initiation, le couronnement de la quête qui va permettre à l’enfant de devenir adulte? Apparemment, elle est, au contraire, celle qui introduit un manque qui demande réparation.

Ceci dit, la qualité du spectacle, les réflexions qu’il induit auprès des jeunes spectateurs, la beauté de la scénographie qui procure un vif plaisir pour les yeux compensent largement ces quelques remarques critiques.

La réaction des enfants :

Léonie (7ans) et Liam (4 ans) ont eu le même sentiment au sujet de la longueur. Quelques instants avant la fin, Liam alors qu'il avait été très attentif  a demandé « c’est bientôt fini? » et Léonie a éprouvé aussi de la lassitude.

Liam a manifestement apprécié la pièce, il a pris l’histoire au premier degré sans difficulté.

Léonie était plus mitigée et s’est plaint de ne pas avoir tout compris. Elle aurait voulu avoir une réponse : pourquoi l’enfant retrouve-t-il la vue? Est-ce que c’est parce qu’il a été fidèle aux animaux qu’il aime comme le chien ou le poisson qui l’a sauvé? Bonne question ! Cette quête initiatique dans lequel Taqqi triomphe d’épreuves faites de drames et de renoncements mais aussi d'amour permet au petit garçon de quitter l’enfance et ainsi de « voir » le monde tel qu’il est.

Les Yeux de Taqqi

Espace Alya 9H50
 du 7 au 30 juillet - Relâches : 12, 19, 26 juillet
Marionnette-objet
À partir de 5 ans
Interprètes / Intervenants
    •    Interprète(s) : Anaël Guez, Nadja Maire, Sarah Vermande
    •    Metteur en scène : Cédric Revollon
    •    Régisseuse : Angélique Bourcet
    •    Constructrice marionnettes : Francesca Testi
    •    Administrateur : Jason Ducas

Festival OFF d'Avignon : Ada/Ava de Manual Cinema au Chêne Noir

Entre cinéma muet et théâtre, entre manipulation de marionnettes d’ombres et projection des ombres des comédiennes sur un double écran, l’histoire des soeurs Ada et Ava se crée devant nous.
A la mort d’Ava, Ada ne peut supporter le départ de sa soeur jumelle. Des flash-back rappellent des épisodes de leur enfance dans leur maison au bord de la mer, une complicité qui n’est pas exempte de disputes et de rivalité, Ada ayant un caractère un peu dominateur. Mais c'est un amour sans faille que l’on voit défiler devant nous jusqu’à la vieillesse et la solitude. Face au chagrin du deuil, Ada lutte d’abord en cherchant à effacer les souvenirs mais cela ne suffit pas ! Alors elle part à la recherche de sa soeur pour la ramener du domaine des Morts. Elle apprendra comme Orphée que l’on ne peut impunément s'en échapper. L’horloge qui rythme le récit est implacable, elle ne s’arrête jamais et la Mort ne relâche jamais ses proies.

Si techniquement le spectacle est complexe et utilise des supports divers qui exigent beaucoup de précision, de rigueur et de virtuosité de la part des artistes, le spectateur lui, se laisse prendre par la nostalgie du récit, la tendresse et la tristesse qui émanent de ces deux personnages en fin de vie.  Tout baigne dans la brume des souvenirs. L’univers des soeurs avec ses cadres accrochés au mur est feutré, comme arrêté. Le visuel est très beau, poétique, souligné magnifiquement sur scène par la voix des instruments et celle, très pure, de la chanteuse. La scène du miroir, en particulier, est d'une grande beauté et les comédiennes qui l'interprètent sont émouvantes. Le Film-Théâtre est muet mais le travail sonore a une grande importance : le bruitage, les sons, la musique, participent à créer une ambiance, font partie intégrante du récit et sont des éléments essentiels de la création. Le langage devient universel et les mots ne sont pas nécessaires pour comprendre et se sentir concernés.

Un beau spectacle un peu à part, sans comparaison avec la vidéo dont on se sert de nos jours au théâtre. Etonnant par sa nouveauté, il mêle des techniques anciennes et contemporaines. Une création vivante, pleine d’émotion qui laisse le spectateur un peu étourdi, le coeur serré par le passage de la vie.

La compagnie Manual Cinema vient de Chicago. C’est la première fois qu’elle se produit en France et c’est une réussite.

 Ada/Ava, l'histoire onirique, fantastique et bouleversante de deux sœurs jumelles, qui ont tout construit ensemble, et que la vie sépare...
Chêne Noir 
du 7 au 30 juillet - relâche les 10, 17, 24 juillet 
à 10h30
 
Interprète(s) : Lizi Breit ou Kara Davidson, Sam Deutsch, Drew Dir, Sarah Fornace, Julia Miller, Hoopfer Maren, Ben Kauffman, Kyle Vegter
Metteur en scène : Drew Dir
Compagnie Manual Cinema / Vertical 
Coréalisation : Théâtre du Chêne Noir
Auteur : Manual Cinema

Sophocle/ Satoshi Miyagi : Antigone au festival IN d'Avignon 2017

Antigone de Sophocle mise en scène de Satoshi Miyagi : photo Télérama

Cette fois encore la Cour d’Honneur offre aux spectateurs un spectacle d’une grande beauté et originalité : Antigone de Sophocle mise en scène par le metteur en scène Satoshi Miyagi. Là, les cultures se mélangent. il s’agit bien de la pièce de Sophocle revue à la lumière du bouddhisme japonais dont la pensée refuse de diviser les gens entre amis et ennemis dans une volonté « d’aimer tous les êtres humains sans les diviser ».

En guise de prologue, des acteurs viennent, comme dans les théâtres de foire, appâter le spectateur en lui présentant - en français-, sur le mode comique, l’intrigue de la pièce.

 Puis la tragédie commence en langue japonaise, ce qui ajoute encore pour nous à l’envoûtement et aux Mystères, au sens rituel, de la représentation pour ne pas dire de la célébration.

Le vaste plateau de la cour d’Honneur est mis en eau, fleuve des Enfers, Acheron ou  Sanzu dans la religion bouddhiste. Les âmes des morts s’y déplacent en silence seulement troublé par le faible clapotis de l’eau.  C’est le choeur antique qui reprend les répliques des personnages, les répercute, les appuie. Comme « dans le No japonais, il y a ce que l’on appelle le Ji-utaï, qui ressemble au choeur grec » explique le metteur en scène.

 La blancheur des costumes, la légèreté des voiles dont tous sont drapés, la musique, les chants qui font place au silence sont enveloppés de jeux d’ombre et de lumière qui donnent solennité à la scène. Tout est d’une grande pureté. Les danses rituelles mettent en valeur le langage du corps plus important pour Satoshi Miyagi que l’expression du visage, en opposition à la pensée occidentale. En témoigne la mise en scène des Damnés, qui l’année dernière à la Cour d’Honneur, privilégiait les  gros plans sur les visages en utilisant la vidéo. 

Antigone photo de Anne-Christine Poujoulat (source)

Et tandis que sur la scène les comédiens incarnent Antigone, Créon, Hémon ou Ismène, leur double silencieux mais animé, projettent sur le mur du palais des silhouettes d’ombre qui disent les sentiments, la colère, la révolte, la peur et la souffrance des personnages, Antigone affrontant Créon ou Hémon se rebellant contre son père et se sacrifiant pour son amour. Et ces ombres qui, tour à tour grandissent ou s’amenuisent, disent aussi les rapports de force et les hiérarchies : l’ombre gigantesque de Créon, celle plus petite et dominée de Hémon mais qui bientôt s’étire, grandie par son courage… Beauté de la main de Hémon et Antigone qui se rejoignent sur le mur malgré la tombe qui les sépare.

Un très beau spectacle, d'une grande qualité ! Et une pièce qui répond à cette question universelle au coeur de toute religion mais surtout de toute pensée laïque :  L’obéissance aux ordres d’un chef et aux lois doit-elle être aveugle? C’est ce que la Boétie déjà au XVI siècle dénonçait comme une « servitude volontaire ». Ne doit-on pas, avant tout, obéir à sa conscience, à sa perception du bien et du mal ? La désobéissance n’est-elle pas un devoir ? 

Questions philosophiques essentielles !

« Il n'est pas souhaitable de cultiver le même respect pour la loi et pour le bien. La seule obligation qui m'incombe est de faire bien » affirmait Thoreau

 Et Victor Hugo : «  Désobéir, c’est chercher ».