George Sand : L’Uscoque

  

George Sand écrit L’Uscoque à Nohant, dans l’hiver de 1837 à 1838 quand, explique-t-elle, il faisait très froid dans sa chambre, avec la bise qui soufflait dehors et le feu dans la cheminée qui produisaient des bruits étranges. Des images fantastiques de rochers battus par le vent naissaient devant  ses yeux. C’est de cette atmosphère inquiétante qu’est né L’Uscoque ! Et puis, son voyage à Venise avec Musset n'est pas si  loin ( 1833) et la ville exerce sur elle une grande attraction que l’on retrouve dans Consuelo et Leone Leoni.

Le récit est conté à Lelio et Beppa, à tour de rôle, par Asseim Zuzuf, le corcyriote ( de Corfou) et par l’abbé. Lélio, le masculin de Lélia, désigne-t-il George Sand ? 

 Il se déroule à Venise et dans les îles ioniennes à la fin du XVII ième siècle. L’histoire est placée sous le signe de Lord Byron et de son célèbre poème Le Corsaire. Mais précise George Sand, le corsaire de Byron ressemble aussi peu à un uscoque qu’un bandit « d’opéra moderne à un voleur de grands chemins » ou de  « chevalier d’industrie ».  George Sand insiste sur le fait que cette histoire est vraie, loin, donc, du romantisme à la Byron.

Il faut se poser la question : d’abord, qu’est-ce qu’un Uscoque ? 

"— Ignorant ! dit l’abbé. Le mot uscocco vient de scoco, lequel, en langue dalmate, signifie transfuge. L’origine et les diverses fortunes des Uscoques occupent une place importante dans l’histoire de Venise. Je vous y renvoie. Il vous suffira de savoir maintenant que les empereurs et les princes d’Autriche se servirent souvent de ces brigands pour défendre les villes maritimes contre les entreprises des Turcs. Pour se dispenser de payer cette terrible garnison, qui ne se fût pas contentée de peu, l’Autriche fermait les yeux sur leurs pirateries ; et les Uscoques faisaient main basse sur tout ce qu’ils rencontraient dans l’Adriatique, ruinaient le commerce de la république, et désolaient les provinces d’Istrie et de Dalmatie. (…) Vers 1615, un traité conclu avec l’Autriche les livra enfin sans appui à la vengeance des Vénitiens, et le littoral de l’Italie en fut purgé. "


A Venise, le duc Pier Orio Soranzo, jeune homme d’une grande beauté, mais de moralité douteuse,  cupide et insatiable, dilapide sa fortune au jeu et dans des nuits de débauche. Ruiné, il s’enrôle dans la flotte du général Francesco Morosini pour renflouer ses finances et attire l’attention par son audace et ses prouesses dans la guerre contre les Turcs.
Francesco Morosini a une nièce de dix-huit ans, Giovanna. La jeune fille, parmi ses nombreux prétendants, a distingué le jeune comte  Ezzelino, de la famille des princes de Padoue. Il l’aime d’un amour sincère. Mais Orio Soranzo, arrivé à Venise, entreprend la conquête de Giovanna qu’il sait dotée d’un grande fortune.  Grand séducteur, il y parvient aisément et Ezzelino, désespéré, assiste au mariage de la jeune fille avec son rival.
Après la noce, Soranzo continue  à faire des  "trouées" dans la dot de sa femme et se réengage dans la marine sous les ordres de Morosini pour combattre les pirates.  Mais guidé par l’appât du gain, il attaque le pacha de Patras, est fait prisonnier et condamné à mort. Il est délivré par l’esclave favorite du pacha.  Celle-ci, Naama, poignarde son maître et déguisée en garçon se réfugie avec Soranzo sur les îles Curzolari où Giovanna viendra l’y rejoindre plus tard pour son malheur. Soranzo qui ne peut supporter d’avoir perdu sa galère et sa fortune sombre, semble-t-il, dans la mélancolie et est incapable de tenir tête aux violentes attaques d’un pirate qui ravage les abords de l’île. Celui-ci ne peut être, étant donné sa brutalité, qu’un Uscoque (le fameux corsaire de Byron) puisqu’il est sans pitié, ne fait pas de prisonniers et tue jusqu’aux femmes et enfants. 

" Vous savez que ces infâmes pirates buvaient le sang de leurs victimes dans des crânes humains, afin de s’aguerrir contre toute pitié. Quand ils recevaient un transfuge et l’enrôlaient à leur bord, ils le soumettaient à cette atroce cérémonie, afin d’éprouver s’il lui restait quelque instinct d’humanité ; et, s’il hésitait devant cette abomination, on le jetait à la mer. "

 Le comte Ezzolino est alors envoyé par Morosini pour combattre l’Uscoque et lors d’une rude bataille il l’aperçoit !  On imagine la confrontation des deux personnages mais je ne vous en dis pas plus.

L'Uscoque : illustration de Maurice Sand

Le personnage du bandit est très répandu dans la littérature romantique. On l’a vu avec Conrad, le corsaire de Byron, que George Sand cite pour mieux s’en éloigner. Je pense aussi à  Hernani de Victor Hugo dont je viens de voir une très belle interprétation au festival d’Avignon.  Hernani est proscrit pour raison politique, il représente, pour Hugo, la nécessaire révolte d’un homme contre un pouvoir injuste et arbitraire. Mais ici, dans le roman de George Sand, le pirate est un faux Uscoque, il  n’est pas épris de liberté comme le héros romantique, il n’est pas lié à un idéal, il est mû par la cupidité et la violence. Si au début, bien qu'immoral et débauché, Pier Orio Soranzo pouvait paraître romantique par sa remarquable beauté, la noblesse apparente de ses manières, son esprit et son charme, il se transforme peu à peu en un monstre sanguinaire. George Sand se démarque donc de ses prédécesseurs prestigieux, en créant un personnage tout à fait personnel et un récit original que j'ai eu plaisir à lire.

 

 

 

Florence Arthaud / Jean-Benoît Patricot : Cette nuit le mer est noire/ Une femme à la mer

 

 

 Florence Arthaud : Cette nuit la mer est noire 

« J’ai basculé en une fraction de seconde. Je suis dans l’eau. Il fait nuit noire. Je suis seule […]. Dans quelques instants, la mer, ma raison de vivre, va devenir mon tombeau. » 

Une femme à la mer

Une femme à la mer est l’adaptation théâtrale de Jean-Benoît Patricot mise en scène par Stéphane Cottin du livre de Florence Arthaud :  Cette nuit la mer est noire dans lequel elle raconte comment elle a failli perdre la vie le samedi 29 octobre 2011 alors qu’elle naviguait seule à bord de son voilier au large du Cap Corse. Lorsqu’elle tombe à la mer, elle n’a pas de gilet de sauvetage, elle est alourdie par ses bottes et ses vêtements, elle n’a pour tout éclairage que sa lampe frontale, elle est loin de toute côte et l’eau est à douze degrés. Elle voit son bateau s’éloigner d’elle et d’un seul coup la certitude de la mort s’impose à elle. Elle  partage avec nous ses pensées, l’angoisse, le refus de la mort. Alors qu’elle a triomphé tant de fois lors de ses grandes courses solitaires, affronté les quarantièmes rugissants sans faiblir, elle va être vaincue lors d’une simple croisière sur une mer calme. Pourtant, elle ne se résigne pas à abandonner la lutte pour sa survie même si elle a peu d’espoir. Ce qui va la sauver c’est son téléphone portable qu’elle découvre dans la poche de son survêtement  et l’appel qu’elle peut passer à sa mère puis à son frère qui appelle les secours. L’épuisement la gagne.  Elle n’est sauvée qu’au dernier moment quand ses forces la lâchent et qu'elle est récupérée par un hélicoptère.

Sur scène, le décor :  la mer et le ciel, images projetées sur un écran de fond de scène et de belles lumières jouant sur le clair-obscur. La comédienne évolue devant la mer, suspendue dans les airs par des filins élastiques qui s’allongent, s’étirent, remontent et redescendent son corps balloté par les vagues, donnant l’impression qu’elle évolue dans un milieu liquide et qu’elle se maintient à la surface de plus en plus difficilement.

Je n’ai pas lu le livre mais Nathalie Lucas qui interprète le personnage de Florence Arthaud nous fait partager cette lutte pour la survie et le courage, la force de volonté de cette femme qui  a toujours eu, au fond d’elle-même, ce besoin de se colleter  à la difficulté et cet amour de la mer et de la navigation. Un bon spectacle que l’on suit avec beaucoup d'intérêt et qui nous tient en haleine..

 

du 4 au 25 juillet relâche les 8, 15, 22 juillet
11h40 1h10
GÉMEAUX (THÉÂTRE DES) 
Salle : Salle des Colonnes - S'y rendre
Langue principale : français
Public : Tout public à partir de 10 ans

auteur⸱ices
De FLORENCE ARTHAUD
Adaptation : Jean-Benoît Patricot
équipe artistique
Stéphane Cottin - Mise en scène
Nathalie Lucas - Interprétation
Moïse Hill - Lumière
Cyril Giroux - Musique
Marc Bizet - MBTA - Acrobatie
Chouchane Abello - Costumes
Oval Théâtre des Gémeaux Parisiens

 

Catherine Meurisse : La jeune femme et la mer

 

 

 

Catherine Meurisse dans La jeune femme et la mer raconte son expérience à la résidence d'artistes de la villa Kujoyama à Kyoto. Son personnage, peintre, parle peu le japonais mais elle veut s’imprégner de la langue et de la culture japonaises. Elle cherche à renouveler son inspiration pour peindre le paysage et toutes les découvertes qu’elle va faire enrichiront sa vision, lui feront découvrir une civilisation très éloignée de la civilisation occidentale qui a trop «  les pieds plantés en terre ». 

 

 

Des rencontres lui permettent de découvrir un univers fascinant entre l'éveil et le rêve, comme celle avec le Tanuki du film d’animation de Pompoko de Isao Takatha. L’animal de la mythologie japonaise,  bavard et facétieux, lui offre un pinceau fait avec ses poils et lui apprend à tracer deux signes avec une pierre à encre, signes dont elle ne comprend pas le sens mais qui vont la guider dans sa quête et prendront sens pour nous aussi à la fin du récit.  Le paysage se révèle souvent mystérieux et magique. Ainsi surgit, au milieu d’une étendue d’eau, sa propre maison natale. Parfois, la jeune femme regarde la Nature et s’aperçoit que c’est la Nature qui la regarde. 

Une autre rencontre est celle du peintre qui veut saisir « l’expression d’une femme ». Il cherche « l’état qui permet de peindre un tableau », et de rendre « l’évanescence des choses », ce qui est hors du monde, in définissable. Et pour cela dans le monde contemporain, il faut savoir faire abstraction de tout ce qui est moderne et gêne la vision de la Nature parfois modifiée par l'humain. Cette nostalgie d’un monde éphémère qui a existé et n’est plus, est loin d’être triste !  Il s’agit d’un sentiment heureux. Le peintre semble toujours prêt à capter ce qui n’est pas et en attendant il écrit des Haïkus, car c’est par la poésie qu’il se révèle un grand peintre.
Enfin, il y a la demoiselle Nami qui semble commander aux éléments depuis qu’elle est la seule survivante de la Grosse Vague de Hosukaï qui a tué ses parents. Car le Japon, c’est aussi le pays des volcans, des seïsmes, des tsunamis. La demoiselle Nami « sait lire notre sort dans les plis de la mer ». Pour l’heure, elle prédit un typhon et nous laissons Catherine roulant vers la résidence poursuivie par le vent et les feuilles tourbillonnantes.

 

 

Cette réflexion autour de la poésie et la peinture, cette approche de la Nature qui nous fait quitter le mode rationnel, ressentir le passage du temps, saisir l’impermanence des choses me rappellent le Kyoto de Yasunimi Yokotawa, un roman que j’ai tant aimé. L'album nous ouvre aussi à un mode de pensée différent du nôtre et à l'explication mythologique des phénomènes naturels.

 

 

Les illustrations sont d’une grande beauté, magnifiquement colorées, surtout celles qui évoquent les grands maîtres  de l’estampe.  De plus, le récit ne manque pas d’humour ! La jeune femme va au toilette, « les fameux WC japonais » mais lorsqu’il faut tirer la chasse, elle se trompe de bouton et appuie sur l’alerte tsunami.

J’ai beaucoup aimé cet album conseillé par Fanja ICI  

 

Maurice Leblanc : L’île aux trente cercueils

 

J’ai lu L’île aux trente cercueils afin de répondre au thème de l’île initié par Cléanthe pour le challenge Escapades en Europe. Mais j’ai finalement choisi un autre titre L'Arche de la tempête (Ici) et je ne présente ce livre de Maurice Leblanc qu’aujourd’hui. Il s’agit d’un polar fantastique mais tous les évènements trouveront une explication rationnelle grâce à Arsène Lupin qui n’intervient que dans la dernière partie.

Sarek ou Sark 

Le récit se déroule dans une île fictive Sarek située au large de l’archipel des Glénan qui évoque l’île anglo-normande de Sercq (ou sark en anglais). Elle est entourée de trente dangereux écueils que les insulaires nomment les trente cercueils. Il y est aussi question d’une mystérieuse pierre magique aux grands pouvoirs, La Pierre-Dieu. Une légende dit que trente victimes correspondant aux trente écueils doivent périr dont quatre femmes qui seront crucifiées. Parmi elles, notre héroïne Véronique d’Hergemont est la victime toute désignée.

Véronique d’Hergemont a perdu son fils et son père il y a quatorze ans. Son mari, le monstrueux Vorski, symbole du Mal, est mort lui aussi. Lorsqu’elle apprend que son fils et son père sont toujours vivants et vivent sur l’île de Sarek, Véronique entreprend un voyage qui se révèlera semé de dangers et terrifiant. Elle vivra d’horribles aventures qui la conduiront inexorablement à la crucifixion. Mais… 

Le roman est construit sur un curieux contraste : Une partie où règne le fantastique avec un crescendo dans l’horreur censé provoquer la peur chez le lecteur puis, avec l’arrivée d’Arsène Lupin, une suite qui se veut nettement comique !

Le problème c’est que ce récit tarabiscoté ne m’a pas fait frissonner une seule seconde (trop, c'est trop!). De plus, l’humour (lourd) d’Arsène Lupin m’a agacée. Bref, je suis restée imperméable à toutes les tonalités du récit. Je me suis demandée si les livres de Maurice Leblanc avaient vieilli ( à moins que ce ne soit moi... forcément !) car c’est un auteur que j’aimais bien quand j’étais jeune sans être particulièrement "accro" !

Je me suis donc intéressée à l’auteur que je pensais être né au XX siècle. Wikipedia m’apprend qu’il est né à Rouen en 1864 et adolescent a connu Gustave Flaubert et Guy de Maupassant. Il crée Arsène Lupin, gentleman-cambioleur, au début des années 1900.  Le récit de L’île aux Trente cercueils se situe en 1917 et est publié en 1919. Finalement, Maurice Leblanc aura connu trois conflits franco-allemands   : En 1970, il est envoyé en Ecosse par son père pour le soustraire à la guerre, puis  1914-1918,  et en 1940, il fuit l'occupation allemande et se réfugie à Perpignan. C'est là qu'il meurt en 1941. Je comprends mieux pourquoi Vorsky qui personnifie le mal dans toute son horreur est « un germain, ce peuple semi-barbare », « un Boche » et même « un super-Boche » ! 

 

 

 

 

Elizabeth Goudge : L'arche de la tempête

 

 

L’arche dans la tempête publié en 1923 est le premier roman écrit par Elizabeth Goudge alors encore toute jeune. 

Guernesey

Guernesey de Pierre Auguste Renoir

« Les longues étendues des grèves du nord se montrèrent les premières, dorées comme des champs de blé mûr, ourlées des teintes mauves et argentées du pavot cornu et du statice, et se fondant d’une manière imperceptible dans les vastes landes battues par les vents. A l’abri des tertres d’un vert grisâtre, des maisonnettes montraient, par-ci par-là, leurs murs crépis de blanc et de rose et leurs toits d’ardoise grise. Au sommet de la lande se dressaient les cromlechs, élevés dit-on, par les hommes d’autrefois en guise de mausolées pour leurs morts, bien que les insulaires affirment qu’ils ont été posés en cet endroit par les fées pour y cacher leur or. »

Elizabeth Goudge dont les aïeux étaient guernesiais, née dans le Somerset en 1900, passe de nombreuses vacances dans l’île chez ses grands-parents. Rien de plus enchanteurs que les descriptions de l’écrivaine qui connaît Guernesey comme sa poche et s’ingénie à peindre sa beauté, ses coutumes, ses superstitions, la rudesse de ses tempêtes, la floraison enchantée de ses printemps, les côtés escarpées hérissées d’écueils et de falaises ou les grandes plages de sable, les couleurs somptueuses de ses paysages, le défilé des nuages qui parent le ciel et l’eau de mille nuances qu’elle peint avec un sens du coloris aussi précis et subtil que celui d’un peintre. 

La ville et le port Saint Pierre au coucher de soleil : « de petites lumières scintillaient aux devantures des boutiques et les bois semblaient tout noirs sur le ciel. La mâture des bateaux, noire aussi dans le crépuscule, se dessinait comme les arbres dénudés en hiver, sur un ciel du vert le plus tendre et le plus limpide, strié d’abricot et de gris perle. Les eaux du port gardaient un étincelant souvenir du soleil à la crête de chaque ride et reflétaient les pâles couleurs du ciel et les ailes plongeantes des mouettes… Un monde de couleurs et de lumières, transparent et irréel… Un monde du fond des eaux… Une beauté si fragile qu’au moindre attouchement elle s’évanouirait en poussière. »

Un soir, au coucher de soleil, la famille du Brocq observe un phénomène extraordinaire qui rappelle l’Odyssée et  Homère comparant la couleur de la mer au vin. 

« Une petite touffe de nuages, qui avait formé des entrelacs floconneux dans le ciel bleu, devenait rose au fur et à mesure que le soleil baissait, tandis qu’au-dessous d’eux la mer reflétant ce bleu et ce rose devenait mauve.
-Regardez ! Regardez ! s’écria Jacqueline
Elle montrait un jeu de lumières. Le rose et le bleu devenaient de plus en plus brillants et le reflet couleur de lavande fonçait au point de prendre la teinte d’un iris pourpre. La mer couleur de vin des anciens Grecs! »

Guernesey et l’Arche du Bon-Repos

Nuit d'été de Homer Winslow

Le titre anglais Magic Island est tout à fait pertinent pour ce roman d’Elizabeth Goudge. L’île de Guernesey est magique, en effet, par sa sauvagerie encore préservée en cette année 1888, époque où se déroule le roman, avec la rumeur incessante de la mer, la présence d’êtres surnaturels dans les haies fleuries et odorantes, la fontaine aux fées qui exauce les voeux, les sargousets jouant dans les noisetiers, les aubépines au milieu des escallonias et des myosotis.
 
Magique aussi la vision de Rachel, l’un des personnages principaux du roman, qui est douée de voyance. Elle "voit" un homme qui viendrait les sauver de la ruine et leur permettrait de rester dans leur domaine, une petite exploitation agricole qui ne permet pas à Rachel et à son mari André du Brocq de nourrir leur cinq enfants, un lieu qu’ils aiment et qu’ils vont devoir abandonner. 

Ne pas quitter l’île, c’est le voeu le plus cher de Rachel. C’est là où reposent trois de ses enfants disparus, là où elle et son mari ont créé un doux refuge, la ferme de Bon-Repos. C’est pourquoi la traduction française  l’Arche de la tempête est tout aussi bien trouvé que le titre anglais. La maison du Bon-Repos est l’arche qui accueille la famille et les animaux de la ferme. C’est un havre de paix et de beauté qui les met à l’abri des colères de la Nature, des orages extérieurs et des luttes intérieures et morales que traversent enfants et parents ! 
 La nature est au coeur de l’oeuvre, au coeur aussi de l’éducation des enfants qui peuvent pénétrer par l’intermédiaire des arbres et des plantes au centre d’une « vie universelle ». Mais les végétaux  ont aussi « une vie individuelle ». Tout est, en effet, animée d’une vie propre, et communique avec les enfants, partage leurs sentiments, les protège, les berce et leur parle. Les arbres servent de rempart aux tempêtes, les fleurs offrent leur musique et leurs teintes délicates aux enfants.

 « Quelle quantité de clochettes autour d’elle (Colette, la plus jeune fille de la famille) et toutes magnifiques. Les cloches blanches des lis, poudrées d’or, les clochettes jaunes des fritillaires, avec leurs grosses gouttes de miel, les campanules blanches, mauves et roses, par centaines. Elle ne se lassait pas de les contempler; et voilà que soudain, toutes se mirent à sonner !  Elle écoutait la bouche ouverte. Oui, C’était bien vrai ! Elles se balançaient lentement, toutes, les fritillaires, les lis, les campanules, en carillonnant comme des folles. »

Quant à l’homme providentiel, Ranulphe Morbier, qui vient au secours de la famille du Frocq, il arrive en début du roman avec un naufrage, un bateau qui s’ouvre en deux sur les menaçants récifs des Barbées et il repart à la fin du récit au cours d’un autre naufrage toujours sur les mêmes affreux écueils, deux épisodes qui ouvrent et qui closent le récit.

Les Occupants de l’Arche

 

Guernesey : Enfants au bord de la mer (1885) Pierre Auguste Renoir

Le couple, Rachel et André, le nouveau venu, Ranulphe, les enfants, Michelle, Peronelle, Jacqueline, Colin et Colette mais aussi le chien Maximilien, le chat Marmelade, Lupin, le vieux cheval, vivent dans l’Arche. Notons que les animaux y sont des personnages à part entière, ayant une personnalité et introduisent une douce note d’humour et de légèreté. 

Elizabeth Goudge décrit le caractère, les aspirations, les rêves de chacun des personnages, leur complexité aussi. Elle excelle dans la description des enfants. On dirait qu’elle n’a rien oublié de son enfance, ni du pouvoir de l’imagination qui permet de voir, au-delà de la réalité, l’enchantement du monde; ni du grand désir d’indépendance des petits : Colin veut être marin envers et contre tout mais surtout contre sa mère qu’il adore pourtant; Michelle qui aime la poésie veut vivre dans son univers hors du temps, dans « le petit village blanc » de Keats, poète qu'elle admire, et ne supporte pas l’irruption de la réalité et du prosaïsme. L’écrivaine n’a pas oublié, non plus, les tourments de l’école (Jacqueline), les déceptions et les colères fulgurantes (Colins), ni les disputes de la fratrie qui dégénèrent en claques, vociférations et pleurs à la grande exaspération des parents ! Il y a des scènes marquantes comme celle où Colette en visite chez son grand-père, médecin et bourgeois cossu, découvre le monde « d’en bas », les cuisines infestées de cafards, installées au sous-sol, et la fille de cuisine Antoinette, battue, épuisée et maigre, pleurant la mort de sa mère, accablée par un travail démesurée, la découverte de l’injustice sociale; les  naufrages au cours desquels les insulaires vont, au péril de leur vie, sauver les marins naufragés imprudents ou incompétents; la confession de Jacqueline ( car la religion est très présente) qui a menti et vit l’angoisse avant de se sentir allégée et régénérée, les fêtes de Noël et de Pâques... Un beau  roman  plein de poésie et de détails qui nous apprennent beaucoup sur l'île de  Guernesey et a le charme et la saveur passée d'un monde disparu.

 

Pierre Auguste Renoir : Guernesey

  

Chez Cléanthe

 

 

 

Chez Fan ja

 

Patrick Grainville : La nef de Géricault

 

 

La nef de Géricault de  Patrick Grainville 

J’ai toujours été fascinée par le radeau de la Méduse, non par le tableau bien qu’il témoigne incontestablement du génie du peintre, de son sens du cadrage, du mouvement, d’une maîtrise extraordinaire...  mais ce n’est pas le style de peinture que j’aime. Non, c’est l’histoire de ce naufrage, de ces gens abandonnés sur un radeau par un capitaine incompétent et ses officiers lâches et sans scrupules. Ce qui m’intéresse ce sont les implications politiques et sociales de cette tragédie, des royalistes et des nobles qui abandonnent des républicains, des bonapartistes, des hommes d’équipage, des noirs, des anciens esclaves et enfin l’aspect philosophique, ce que cela dit de la nature humaine et de ce qui subsiste de l’humanité dans des conditions extrêmes : Sa majesté des Mouches, Les naufragés du Wager, Les naufragés du Batavia.
J’ai vu aussi une pièce de théâtre - un seul en scène » qui présentait l’épopée du radeau d’une manière hallucinante! ICI les secrets de la Méduse

Théodore Géricault  (1791-1824)

Théodore Gericault par Horace Vernet

Patrick Grainville s’intéresse, lui, à Théodore Géricault et à son tableau Le radeau de la Méduse ou plutôt à ses tableaux car il analyse de nombreuses oeuvres du peintre comme celles réalisés à l’occasion de son voyage en Italie : Course de chevaux libres à Rome. Il dit son amour des chevaux qu’il peint inlassablement sous tous leurs angles, leurs allures, leurs robes et leurs couleurs. 

Plus tard, il peindra aussi, à la demande du docteur Etienne-Jean Georget, les monomanes de la Salpétrière, des portraits intenses de femmes et d'hommes enfermés dans leur douleur et leur folie que l'on ne peut regarder sans éprouver de l'angoisse. 

 

Théodore Géricault : La monomane de l'Envie

 

Théodore Gericault : Course de chevaux libres à Rome

Théodore Géricault : croupes de chevaux

L'écrivain décrit aussi les autres artistes qui gravitent autour de Géricault : son ami Horace Vernet, peintre pompier qui manquait d'inventivité mais qui a réalisé un beau portrait de lui. C'est le fils de Carles Vernet qui fut le maître de Géricault de même que Pierre Narcisse Guérin le fut de lui et de Delacroix :  "Ce nain  a formé deux géants". 

Ce qui permet de comprendre l’évolution de la peinture, par rapport aux peintres de son époque, vers le romantisme dont il est le représentant avec son ami Delacroix.

L’écrivain nous parle de la vie tourmentée du jeune homme, de sa liaison avec Alexandrine-Modeste Caruel, la jeune épouse de son oncle et des remords que lui causent cette trahison. Lorsqu’elle sera découverte car la jeune femme est enceinte, ce sera le drame. Les amants ne pourront plus se revoir et leur fils leur sera enlevé et confié à une autre famille. Géricault meurt jeune à l’âge de 32 ans vraisemblablement de complications liées à ses blessures lors de chutes de cheval.

Le radeau de la Méduse

 

 

 Le radeau de la Méduse : une diagonale passe par le pied du mousse mort soutenu par le vieillard Cordein et s'élance vers Joseph l'haïtien qui salue le bateau à l'horizon. D'un  côté, au bas du tableau, la mort et le deuil, de l'autre, en haut, l'élan de la vie, l'espoir. Une autre diagonale part de la vague à gauche pour aboutir au cadavre, à droite, dont la tête est à moitié hors du radeau, menace d'engloutissement. Le tout dessine une pyramide, symbole du regain, du retour à la vie. Le mat et la barre de la voile forment une sorte de croix qui est "une manière de Jugement dernier avec d'un côté les damnés et de l'autre, la lumière et l'extase des bienheureux". Celui qui tend le doigt et partage sa joie est Corréard. Delacroix a posé pour le jeune homme de dos qui se redresse pour regarder vers l'avenir. Un corps noir est affalé sur lui, mort certainement, et semble lui dévorer la fesse, rappel du cannibalisme. Au centre des hommes à genoux, dans l'attente, le corps et les bras dressés pour implorer de l'aide. L'un enlace le corps d'une femme ( peut-être ?) qui semble mourante. Sur les 147 passagers du radeau, seuls quinze ont survécu. Aucune femme.

 

Patrick Grainville nous raconte par l’intermédiaire des quelques rares survivants, le charpentier Touche-La Villette, le chirurgien de marine Savigny, le géographe Correard ce qu’ils ont vécu sur le radeau. Là aussi, comme sur le navire naufragé, la lutte pour la survie continue, le radeau étant surchargé, il faut d’abord se débarrasser du surnombre, en tuant, en jetant à l’eau, en noyant, les officiers contre le peuple et réciproquement, une mutinerie sanglante.  Plus tard, ce sera boire son urine et lorsque la faim tenaille, le cannibalisme. Les tempêtes qui submergent les corps, l’eau qui glace, le soleil qui brûle, le sel qui dessèche, qui ulcère les plaies, la maladie, le délire, les hallucinations… les souffrances sont terribles.

« Sur le radeau de la Méduse régna la loi du plus fort. C’est la jungle que Géricault doit peindre en trouvant des limites. Quelle scène choisir ? La plus horrible ou la plus positive ? Quelle nuit ? Quel jour ? Comment cadrer cette torche d’humains dans un périmètre si ramassé. Comment représenter l’indicible ? Touche-Lavillette trouvait presque supportables ses campagnes napoléonnienes au regard du carnage de cette nuit horrible. »

 Pour donner à voir une telle scène, pour parvenir à rendre l’inimaginable, l’impossible, il fallait quelqu’un d’entier, de démesuré, ravagé par le doute, qui se consacre à son art jusqu’à la hantise. Géricault est celui-là ! Il veut peindre toutes les phases de ce récit, la mutinerie, le cannibalisme, la tempête.

 

Théodore Géricault : Le radeau de la Méduse : scène de mutinerie

 Il fait construire une maquette du radeau, se fait nommer tous les personnages, il lit les compte-rendus du naufrage, il réalise des esquisses du corps humain. Il fait poser les survivants de la Méduse, ses amis aussi, mais les personnages qu’il peindra seront des représentations non réalistes, le plus souvent composites, incarnation de l'Humanité et non des portraits réels. Il peint le modèle, Joseph, l’haïtien, qui va devenir l’un des personnages essentiels du tableau. Au sommet de la pyramide, il voit apparaître la délivrance,  l’espérance. Peut-être est-il le symbole de la libération des esclaves ?

 

Géricault  : Joseph L'haïtien

 

Géricault déménage pour un atelier plus grand, la toile devant mesurer sept mètres de long et quatre mètres de hauteur. Il ramène chez lui des morceaux de cadavres, pieds, torses, bras et la tête d’un voleur guillotiné trouvés à l'hospice de Bicêtre. Tout cela pourrit dans son atelier, l’odeur est pestilentielle. Géricault vit de la mort, avec la mort, halluciné. Les voisins se plaignent ! Et cela donne lieu à une scène d’humour noir, où Géricault et son aide, le peintre Jamar, transportent le charnier sur le toit pour échapper à l’odeur mais doivent ensuite disputer les morceaux aux rats et aux chats attirer par le festin ! Cela nous permet de comprendre qui était le peintre et l’énormité de cet accouchement dans la souffrance !  

 

Théodore Géricault : Tête de guillotiné

Le radeau de la Méduse est tout sauf « le résultat d’une reconstitution politique et historique » affirme Patrick Grainville. Il échappe au réalisme ou, du moins, le réalisme des témoignages de Corréard et Savigny est "très contrôlé et parfois édulcoré".  Le tableau est "une configuration intérieure". C’est lui-même que Géricault y a mis et  il « se sent avaler par la mer et le ciel qu’il a peints. La haute vague presque noire du fond est plus vaste que sa poitrine. Il la sent, il l’entend. Le radeau grince. Tous ses bois ont du jeu et bougent. La chair des gisants transparaît et l’entoure d’une couronne d’agonie ».

 
Cela ne va pas d’ailleurs sans une certaine théâtralisation. Ainsi, au premier plan, l’aspirant Coudein qui protégeait Léon, le mousse âgé de 13 ans, veille sur son corps mort." A la fin ce sera la figure théâtrale du vieillard (façon David) cheveux blancs de prophète, coiffe et cape rouge symboliques, hors de tout réalisme… en référence aux grecs et à Michel-Ange" qu’il avait tant admiré à la chapelle Sixtine. Patrick   Grainville y voit un pieta masculine, image de la douleur paternelle.
« Or, vous avez magnifiquement orchestré cet enfer dit un des personnages au peintre. Vous avez donné à ce qui devait être un chaos une harmonie de peinture. »

Le tableau n’est pas politique mais c’est ainsi qu’il va être jugé. La noblesse de la Restauration y voit une critique du capitaine responsable du naufrage et des officiers royalistes. Delacroix y retrouve l’incarnation du romantisme et la révélation du mal du siècle qui caractérise la jeunesse romantique. Hugo est frappé par l’élan lyrique des naufragés qui s’arrachent à la mort pour célébrer l’arrivée de l’Argus, une image de la Liberté. Et ce n’est certainement pas un hasard si, au Louvre, Le radeau de la Méduse est présenté côte à côte avec La liberté guidant le peuple de Delacroix.

Le livre de Patrick Grainville écrit dans un style assez flamboyant propose donc une somme de connaissances sur la peinture du début du XIX siècle et même du XVIII puisque l'on y fréquente aussi Watteau, Fragonard et Creuse. J'ai aussi apprécié d'en savoir plus sur la vie du peintre et sur le tableau, l'un des plus célèbres de toute la peinture française.
 

Einar Karason : Oiseaux de Tempête

 

 

Avec Oiseaux de Tempête de l’écrivain islandais Einar Karason nous découvrons le récit d’une terrible tempête qui a eu lieu au large de Terre-Neuve et a coulé plusieurs navires à leur retour de leur campagne de pêche. Si Einar Karanson relate un fait réel survenu en 1959, il choisit d’écrire un roman. Les personnages bien que sommairement esquissés, nous permettent de nous attacher à des destinées individuelles :  celle du jeune marin, Larus dont le nom en islandais signifie Goeland, narrateur de cette épouvantable équipée en mer, le maître d’équipage, un  géant qui lui sauve la vie, le commandant du navire qui ne quittera pas son poste pendant toute la tempête, le maître coq qui assure le ravitaillement et les boissons chaudes… Le récit n’a pas d’ordre chronologique et mène de front plusieurs périodes de l’histoire en bousculant la temporalité, racontant l’embarquement, la vie frustre et sans bonheur de ces hommes lors de leur retour des campagnes, le voyage aller assez calme, la description de la pêche, le déchaînement de la tempête…
Mais, plus qu'un roman Oiseaux de Tempête est un documentaire sur les pêcheurs terre-neuviens, sur la pêche en mer, le maniement des chaluts au large de Terre-Neuve dans une zone poissonneuse où la campagne de pêche durait peu, tant les cales des navires étaient  rapidement remplies. Toutes les nationalités se retrouvaient dans cette zone appelée zone des mouettes tridactyles car elles aussi sont attirées par l'abondance de poissons. Le récit est donc extrêmement précis dans les faits, le vocabulaire, les gestes, les mentalités, et peu à peu nous sommes  entraînés  dans ce cauchemar, la tempête, qui paraît ne jamais devoir cesser. Les hommes livrent un combat démesuré contre la nature déchaînée, affrontant les déferlantes terrifiantes qui s’abattent sur le navire quand eux-mêmes sont sur le pont en train d’essayer de briser et d’évacuer la glace qui se forme sur le navire, l’alourdit et menace de l’envoyer au fond. La lecture devient de plus en plus prenante, nous sommes prisonniers ce récit glaçant dans tous les sens du terme, qui est un hommage au courage de ces marins islandais.


« A première vue, lorsque la glace s’amoncelle sur un navire, il semble impossible de s’en débarrasser : elle a non  seulement l’apparence du verre, mais également sa dureté. Or celle qui s’accumule sur notre bateau n’a rien d’une mince pellicule qu’un gamin pourrait briser en y jetant des cailloux, c’est une gigantesque sculpture de cristal, elle enfle et se boursoufle, enfantant toutes sortes de de figures qui semblent nées de la main d’un artisan esthète alors qu’en réalité, elle se contente d’épouser les courbes du navire et, en premier lieu, de tout ce qui se trouve au-dessus de la coque. Les grands hublots de la passerelle de commandement forment de longues lignes bombées qui font penser à des montagnes ou à des pistes enneigées, les tiges d’acier destinées à recevoir les bacs à poisson semblent vouloir se hisser à la hauteur des gratte-ciel d’Amérique, le bastingage n’est plus qu’un mur de glace, les câbles et les haubans, d’ordinaire à peine plus épais que le pouce d’un robuste bosco, ont maintenant la circonférence des canalisations d’égout, les potences à filets installées à bâbord et tribord sont devenues deux gros blocs de verre tout comme le château et l’ensemble des objets présents sur le pont, parmi lesquels ceux-là mêmes qui sont censés assurer notre salut, les canots de sauvetage. »

 

Hannah Kent : Incandescentes

Dans Incandescentes, l’écrivaine australienne Hannah Kent écrit sur une communauté religieuse, les Vieux-Luthériens, persécutés pour leur foi dans un petit village de Prusse au début du XIX siècle. Le roman commence en 1836 et nous faisons connaissance d'une jeune fille de 14 ans, Hanne, qui aime vivre librement en pleine nature, écoutant le langage de la terre, de l’eau et des arbres. Un peu sauvage, un peu à part, elle n’a pas d’amie et se sent à l’étroit avec toutes les contraintes qui pèsent sur les filles, les devoirs et les obligations, celle du mariage par exemple, et aussi le rejet de la sexualité, de l’éveil du corps. La religion austère, étroite, sans indulgence, pèse lourdement sur chaque instant de sa vie. Etant donné son âge, elle ne peut plus partager la chambre de son frère jumeau et vit mal cette séparation, d’autant plus que la famille est dévastée par un drame, la mort du frère aîné, tué au moment des persécutions menées contre les Vieux-Luthériens. 

C’est alors que vient s’installer une nouvelle famille dans le village dont Anna Maria qui va s’attirer l’hostilité de certains villageois. Elle est accoucheuse et utilise des plantes et aussi un livre occulte (?)  pour guérir et accoucher les femmes. Il n’en faut pas plus, bien souvent, pour être considérée comme une sorcière ! Sa fille Thea va nouer connaissance avec Hanne qui devient son âme-soeur. Les deux jeunes filles vont s’aimer d’un amour entier, lumineux, sensuel et innocent à la fois, à l’âge des premiers émois, du premier baiser, sans trop savoir quel nom donné à cet émerveillement qu’elles éprouvent. Incandescentes ! 

Cependant le roi autorise le départ des Vieux-luthériens en exil. Ils partiront en Australie coloniser ces terres pourtant habitées*, avec l’espoir de pouvoir vivre leur foi librement. Un voyage en bateau d’une durée de six mois, dans un espace étroit, sans intimité, dans des conditions de promiscuité donc très éprouvantes, avec le mal de mer, le manque d’hygiène et la maladie qui vont faire de nombreuses victimes, les tempêtes, la soif, l’eau croupissant dans les tonneaux… Le scorbut et le typhus sèment la souffrance et la mort et le désespoir s'abat sur les familles touchées. 

Enfin l’arrivée en Australie est loin d’être la fin des épreuves. Les colons n’ont rien pour se nourrir et l’écrivaine imagine qu’ils doivent peut-être leur survie, la première année, aux peuples primitifs qui  leur montrent comment trouver de la nourriture dans cette terre encore inculte. La vie s'écoule, rythmée par le travail parfois épuisant, la culture, l’élevage, le commerce, la religion assez opprimante, les médisances et les méchancetés, mais aussi les mariages, les enfants, la mort…

Ce roman est écrit d’une belle plume lyrique, prenante, dans un style vivant, poétique et l’on s’attache aux personnages, à leur terrible histoire, eux qui sont partis si loin, qui ont survécu à tant de dangers, pour retrouver la liberté de leur foi. Pourtant, l’on ne peut s’empêcher de penser que dans leur manière austère et puritaine de vivre leur religion, dans leurs interdits et leurs limites, ils transportent avec eux leurs propres chaînes. L’amour de Thea et d’Hanne aurait-il été possible dans cette communauté ?

Attention : Si vous comptez lire ce roman, sautez le passage suivant en italique et entre parenthèses, car risque d'espoillier  (ruiner) comme on dit en ancien français. Mot que les anglais nous ont piqué (spoiler, gâcher) et que nous leur avons repiqué ! (Spoiler ! divulger ou divulgâcher, mot québécois entré au  Larousse en 2019. J'aime tellement ces échanges entre les langues !)

( Pendant le voyage, les deux fillettes sont malades et Hanne meurt. Cependant, elle ne peut disparaître et reste présente auprès de ceux qu’elle aime. Désormais, elle n’est plus qu’un esprit,  une ombre,  invisible à tous, et elle va continuer à vivre auprès Thea et de sa famille, à partager leurs chagrins et toutes les aventures de ce long voyage en mer. J’ai été assez surprise de cette mort qui n’en est pas une et je me suis demandé l’intérêt de la faire mourir alors qu’elle reste narratrice et partie prenante de l’histoire ! Mon côté rationnel a été un peu bousculé. J’aime le fantastique pourtant, mais qu’il fasse irruption sans prévenir au milieu du réalisme, m’a gênée. J’ai fini par trouver une réponse :  Hannah Kent veut peut-être faire allusion au thème de l’amour plus fort que la mort,  thème  religieux du cantique des cantiques mais pas seulement, thème de l’amour courtois, le rosier de la tombe de Tristan rejoignant celle de Yseut ? Hanne reste auprès de Théa au-delà de la mort. )

 

*En exergue  : « Ce roman a été écrit sur des terres non cédées et souveraines Paramangk et Kaurna. J’aimerais rendre hommage aux Anciens, passés et présents de ces régions ». 

Jacques Prévert : La chanson des sardinières

Dans son blog Miriam raconte sa visite à Douarnenez et elle note que la ville s'est construite autour de la richesse locale, la sardine. Richesse mais pas pour tout le monde ! C'est là qu'a eu lieu la première grève féminine des Penn Sardin, surnom donné aux ouvrières qui travaillaient dans les usines de sardines. 

 Lire le billet de Miriam Ici 

 En écho au billet de Miriam, Aifelle publie dans son Bon Dimanche, la chanson des Penn Sardin,  chantée pendant la grève de 1924-25 et qui a été reprise pendant la célébration du centenaire de la grève : "Pemp real a vo !" ( "cinq réaux ce sera")

 A écouter dans le blog Aifelle Ici 

Les Sardinières ont aussi chanté une chanson anarchiste de la Belle époque  qui est restée comme La chanson de sardinières et dont le refrain est : 

 Saluez, riches heureux,
Ces pauvres en haillons
Saluez, ce sont eux
Qui gagnent vos millions.

Des ouvrières furent licenciées après l'avoir chantée à l'usine en 1924. Cette chanson interdite est une sorte "d'hymne national" douarneniste.

La chanson de sardinières Voir ici

En  1905, il y avait eu une première grève des Penn Sardin pour obtenir d'être payées à l'heure et non au cent de sardines. En 1924, l'exploitation de ces ouvrières est telle qu'éclate la grande grève des sardinières qui a eu un écho national, entraînant la solidarité des travailleurs, partout en Bretagne et dans le reste de la France. 

Quel que soit l'âge, de 12 ans à 80 ans, ces femmes travaillent dans les conserveries à raison de 10 heures par jour et de 72 heures d'affilée. La loi de 1919 sur les 8 heures de travail n'est pas respectée. Elles réclament (entre autres) vingt centimes d'augmentation. Les heures passées à l'usine dans l'attente du poisson ne sont pas payées, les  heures supplémentaires ne sont pas majorées, les heures de travail de nuit (en principe interdit pour les femmes) ne sont pas majorées. Les revendications vont porter sur tous ces points. 

Enfin Ingammic a rédigé un billet sur un livre : Un belle grève de femmes d'Anne Grignon.

 Lire son billet Ici du 15 mars 2024   

"Elles sont ouvrières dès l’enfance, pour certaines à partir de huit ans -on contourne, quand le manque d’argent se fait trop criant, la loi qui impose d’en avoir au moins douze- dans des conditions difficiles. Le travail se fait debout et à un rythme infernal, dans des structures exhaussant l’inconfort des chaleurs estivales comme des froids hivernaux, chargées d’odeurs de saumure et d’entrailles. Et leurs journées se prolongent avec l’entretien de la maison -qui comme leurs tenues, se doit d’être impeccable-, le linge à laver (sans machine) mais aussi les tâches administratives comme la tenue des comptes dont elles s’occupent généralement, car la plupart maîtrisent mieux le français que leurs époux." Ingammic

 

Douarnenez : la grève de sardinières

"La grève, soutenue par le maire Daniel Le Flanchec, animée par un comité de grève et supportée entre autres par Lucie Colliard et Charles Tillon  pour la CGTU, commence le 21 novembre 2024 dans une fabrique des boîtes. Elle s'étend le 25 à toutes les usines du port. Les 1600 femmes (sur 2 100 grévistes), sont chaque jour en première ligne des manifestations, au cri de « Pemp real a vo ! » (« Cinq réaux ce sera , c'est-à-dire 25 sous, ou 1,25 franc). Les patrons sont intraitables. Et les choses s'enveniment dans la deuxième quinzaine de décembre lorsqu'ils font appel à seize "jaunes" (briseurs de grève), recrutés dans une officine spécialisée de la  rue Bonaparte à Paris. Le préfet destitue le maire communiste, Daniel Le Flanchec. La grève déborde Douarnenez.  Elle devient un enjeu national. Le 1^er janvier 1925, au débit  de L'Aurore, les jaunes tirent plusieurs coups de feu sur Le Flanchec, l'atteignant à la gorge, blessant grièvement son neveu et touchant quatre autres personnes.

On apprend que deux conserveurs, Béziers et Jacq, ont remis aux jaunes la somme de 20 000 francs (l'équivalent de 25 000 heures de travail de leurs ouvrières). Ils risquent la cour d'assises. Le préfet menace de porter plainte contre le syndicat des usiniers. Le 7 janvier, ce dernier pousse à la démission ses membres les plus durs. Le 8 janvier, après 46 jours de grève, des accords sont signés : toutes les heures de présence à l'usine sont désormais payées, les femmes obtiennent un relèvement de leur salaire horaire à un franc, une majoration de 50 % des heures supplémentaires et de 50 % pour le travail de nuit.  La grève est victorieusement terminée le 10 janvier 1925 alors que des briseurs de grève ont tiré sur le maire Daniel Le Flanchec le 1^er janvier 1925." (wikipédia)

Quant à moi, j'ai tout de suite pensé à ce poème de Jacques Prévert que j'aime depuis longtemps :  une sorte de valse triste et lancinante qui raconte un conte de fées inversé avec le refrain qui revient en début et à la fin du poème comme s'il ne pouvait y avoir de fin à la misère des ouvrières. A tel point que cette danse avec la répétition de "tournez, tournez", évoquant un manège d'enfants plein de joie et d'insouciance, dépeint, au contraire, l'éternelle continuation du malheur.

 

Jacques Prévert, Chanson des Sardinières 

 

Paul Gruyer : conserverie de sardinières

Ce poème fut écrit par Jacques Prévert en 1935 à l'occasion d'une fête bretonne à Saint-Cyr, localité de Seine-et-Oise. Il a été publié en 1949 dans un recueil intitulé Spectacles.

 

Tournez tournez
petites filles
tournez autour des fabriques
bientôt vous serez dedans
tournez tournez
filles des pêcheurs
filles des paysans

Les fées qui sont venues
autour de vos berceaux
les fées étaient payées
par les gens du château
elles vous ont dit l’avenir
et il n’était pas beau

Vous vivrez malheureuses
et vous aurez beaucoup d’enfants
beaucoup d’enfants
qui vivront malheureux
et qui auront beaucoup d’enfants
qui vivront malheureux
et qui auront beaucoup d’enfants
beaucoup d’enfants
qui vivront malheureux
et qui auront beaucoup d’enfants
beaucoup d’enfants
beaucoup d’enfants...
 

Tournez tournez
petites filles
tournez autour des fabriques
bientôt vous serez dedans
tournez tournez
filles des pêcheurs
filles des paysans 

 

 Joséphine Pencalet

 

Première femme a être élue conseillère municpale

 

 

" Joséphine Pencalet est l’un des visages de cette lutte victorieuse. En 1925, elle est élue conseillère municipale sur la liste présentée par le Parti communiste français. Election rapidement invalidée par le Conseil d'État, puisque les femmes n'ayant pas le droit de vote, ne sont pas considérées comme éligibles. Elle s'insurge contre cette annulation, mais le PC, qui avait pourtant fortement médiatisé sa candidature et son élection, ne la suit pas. Amère, s'estimant "utilisée", Joséphine Pencalet refusera de voter jusqu’à sa mort, en 1972. La petite sardinière bretonne reste cependant l'une des premières élues municipales en France." ( TV5 Ici) 

 

 Une autre chanson : Ecoutez le bruit de leurs sabots

 

 

Et même une BD : le choeur des sardinières

 

 

 

 Une autre BD : les Chasseurs d'écume

 

 

 

Ta loi du ciné signale une autre BD, Les chasseurs d'écume (Debois/Fino), qui raconte l'histoire de la sardine à Douarnenez et dans un des tomes la grève des Penn Sardin.