Festival OFF d'Avignon : Shakespeare, La nuit des rois par Comédiens et Compagnie

La Nuit des Rois est la dernière comédie de Shakespeare et une des plus grandes. La pièce a été écrite pour être jouée à l'épiphanie de 1601. C'était la dernière célébration des fêtes de Noël, la douxième nuit, la nuit des travestissements, des jeux, la nuit des fols et du chaos, héritage des fêtes païennes et des Saturnales romaines antiques. L'intrigue dite "romantique"  traite d'un sujet, le naufrage et  l'île, que Shakespeare reprendra plus tard dans la Tempête. Sébastien et Viola sont jumeaux, thème de la géméllité, du double, cher à Shakespeare. Au cours d'un naufrage, ils sont séparés et échouent sur une plage différente, dans un pays nommé l'Illyrie, chacun déplorant la mort de l'autre. Viola décide de se déguiser en homme et prend le nom de Césario. Elle devient le page du Duc d'Orsino. Celui-ci, amoureux de la belle Olivia envoie Césario comme messager d'amour auprès de la jeune fille qui s'est retirée du monde après la mort de son frère. Olivia tombe amoureuse de Viola-Cesario qui, elle-même, aime Orsino. Lorsque Sébastien apparaît une série de quiproquos et de chassés-croisés va s'engager. Qui est qui? Qui est amoureux de qui? A ces intrigues amoureuses nobles répondent, dans le domaine de la farce, les prétentions amoureuses de Sir Andrew et  de l'intendant Malvolio pour la noble Olivia.

 Avis de Claudialucia

La Nuit des rois présentée par Comédiens et Compagnie a été pour moi une déception. Certes la compagnie qui traite la pièce à la manière Commedia dell'Arte est sympathique, Les costumes, les masques, les éclairages, la musique et les chants sont beaux,  la gestuelle et les bruitages réussis mais le niveau des acteurs est trop inégal (une mention spéciale cependant pour le fou) et la troupe ne retient de la comédie que la farce occultant les autres aspects de la pièce et l'appauvrissant. Une conception de la pièce bien superficielle! Le public s'amuse pourtant et si vous n'avez pas d'autre attente en allant voir La nuit des rois vous pouvez passer un bon moment. Mais vous ne rencontrerez pas Shakespeare! Il faut des comédiens et une mise en scène d'envergure pour rendre la richesse de cette oeuvre!

 La pièce, en effet, mêle tous les genres, la comédie, le marivaudage, la farce avec les personnages de Malvolio ou  de Messire Tobby mais aussi la gravité avec Orsino et Olivia, le rire et la tristesse à parts égales. Malgré la féerie et le grain de folie qui semble s'emparer de tous les personnages, la Nuit des rois pose des questions graves : les serviteurs ont l'illusion d'égaler les maîtres (Malvolio), les maîtres jouent les serviteurs, les femmes empruntent le rôle des hommes (Viola), nul ne sait plus où est sa place. La pièce est une interrogation sur l'identité des rôles, l'identité sexuelle, sur la dualité féminin-masculin incarné par les jumeaux, sur l'homosexualité même, sur l'amour en fait, illusion, caprice? Que penser de ces revirements amoureux de derniers instants si ce n'est que l'amour est bien inconstant, fantasque, capricieux ou qu'il ne repose que sur du vent. En effet, si la comédie se termine par deux mariages, car on est là pour rire, c'est un artifice théâtral qui paraît bien artificiel et auquel le spectateur ne peut adhérer. La plupart des personnages, d'ailleurs, offrent une dimension comique et tragique à la fois : Malvolio, imbu de lui-même, par exemple, est grotesque avec ses bas jaunes et ses jarretières croisées et provoque le rire mais c'est un personnage de tragédie, puritain, austère, autoritaire qui cherche à accéder au pouvoir pour dominer les autres. Pourtant la farce que l'on joue à ses dépens est tellement cruelle que l'on finit presque par le plaindre. Le fou est désenchanté et a une vision du monde si pessimiste qu'il faut bien qu'il le tourne en dérision. Olivia  porte le deuil et refuse la vie et l'amour mais elle tombe amoureuse au premier regard... d'une femme! Orsino est un personnage mélancolique, en proie au doute et c'est parce qu'il est incapable d'agir qu'il se fait cocufier si j'ose dire par son page qui est en fait une femme.
Les éclairages que l'on peut donner à la pièce sont multiples. L'interprétation des personnages par la troupe de Comédiens et Compagnie ne rend pas cette complexité. Ce n'est pas en faisant prendre à Orsino une pose grotesque et ridicule que l'on rend compte du personnage. Le comique n'est pas là, il est intérieur et il est le pendant du tragique. On a l'impression en voyant jouer les comédiens qu'il n'y a pas de réflexion sur le sens de la pièce. Tout est en surface et c'est dommage!

Avis de Wens blog En effeuillant le Chrysanthème

Les comédies de Shakespeare jouent sur le mélange des genres. Se succèdent sans aucun temps mort les moments poétiques, romantiques et les scènes comiques, le spectateur est emporté par les quiproquos, les rebondissements.
L'adaptation réalisée par Comédiens et Compagnie prend le parti pris de mettre en avant le côté farce, une partie des acteurs jouent d'ailleurs sous des masques de la Commedia dell' Arte. Le travail sur la gestuelle, sur les bruitages et la musiques est d'ailleurs assez réussi. La scène de poche du théâtre, guère plus grande qu'un ring de boxe, ne permet pas les grandes envolées pour douze acteurs et limite les possibilités de mise en scène.
Ne retenir que l'aspect purement comique du texte, c'est oublier la richesse de la pièce. Car La Nuit des rois est une profonde réflexion sur le jeu des apparences trompeuses, sur la confusion des rapports amoureux, sur l'homosexualité à peine voilée. L'ambiguïté sexuelle devait être encore plus ressentie à l'époque de Shakespeare, puisque les rôles de femmes étaient tenues par des hommes. Où sont passés les différences et les tensions sociales présentes dans la pièce ? Elles sont totalement gommées, ignorées dans cette adaptation.
Pour savourer Shakespeare, il faut des acteurs qui savent manier sa langue et ses mots, une distribution sans faiblesse. Hélas, certains comédiens de la troupe ne sont pas à la hauteur du texte. Les poses, les mimiques, les soufflets ne remplacent pas la voix, la présence. Les personnages deviennent seulement des caricatures, alors que derrière l'attitude ridicule se cache la tragédie des êtres. Un acteur cependant fait l'étalage de son talent, celui qui tient le rôle de Feste, le bouffon : Guillaume Collignon.

La Nuit des Rois.
Comédiens et Compagnie.
Petit Louvre.
8 au 31 Juillet. 14H15

Challenge de Maggie et Claudialucia

Jean-Paul Delfino : Pour tout l'or du Brésil

Pour tout l'or du Brésil de Jean-Paul Delfino est un roman historique dont le récit se déroule en parallèle dans deux pays différents, le Portugal et le Brésil qui commence à secouer le joug de la métropole et à aspirer à l'indépendance.

Au Portugal : le fameux et terrible tremblement de terre de Lisbonne de 1755 anéantit la capitale. Don Cristiano da Fonseca voit disparaître la fortune amassée par son père, un riche et puissant commerçant et se retrouve ruiné. Mais il entre bien vite au service du marquis de Plombal, premier ministre du roi Dom José 1er, décidé à reconstruire Lisbonne en faisant de la ville nouvelle une capitale moderne. Ce marquis de Plombal qui a toute la confiance du roi est l'ennemi des Jésuites et des nobles dont il détruira la puissance. Machiavélique, il sera aussi le mauvais génie de Don Cristiano puis qu'il le sépare de la femme qu'il aime et de son enfant, l'utilise pour de basses besognes de police et détruit en lui tout ce qu'il pouvait y avoir d'honnête et de bon.

Au Brésil : au même moment Zumbi, un noir qui n'a jamais connu l'esclavage, décide de quitter Rio de Janeiro où il vit misérablement pour faire fortune en cherchant de l'or dans le Minas Gerais, le pays des Mines. Mais il apprendra à ses dépens que la vie éprouvante et pénible des chercheurs d'or ne mène pas à la richesse. Il repart donc dans la capitale bien décidé à faire fortune. C'est à Rio de Janeiro que le destin des deux hommes va finir par se croiser.

Le livre est un roman historique solidement  documenté. Nous rencontrons des personnages célèbres qui ont fait l'Histoire du Brésil et du Portugal, nous assistons aux conspirations indépendantistes.  Nous découvrons les étonnantes confréries des Nègres libres qui font fortune en exploitant la peur de l'enfer des blancs corrompus et rachètent ainsi la liberté des esclaves! L'écrivain offre une peinture de ces deux pays, en les opposant. Il montre les différences entre la société portugaise coincée par les hiérarchies sociales, le protocole, les bienséances et sous le pouvoir de l'Eglise et le Brésil où vit une société mêlée qui permet aux métis ou aux noirs de s'élever, où les moeurs sont plus libres.

Mais Pour tout l'or du Brésil  se lit aussi comme un roman d'aventures. Au plaisir de découvrir cette période historique mouvementée, s'ajoute aussi celui de partager les péripéties vécues par les deux héros, les vicissitudes de leur fortune, les dangers auxquels ils sont confrontés. On s'attache en particulier au personnage de Zumbi rendu sympathique par son amitié avec l'Aveugle, son amour pour l'intelligente, belle et maîtresse-femme Laurinda. Un roman très agréable donc!

Merci à Dialogues Croisés et aux éditions Le Passage

Festival OFF d'Avignon : Moulins à Paroles d'Alan Bennett par la compagnie les Méridiens

 Stéphanie Gramont et Xavier Boulanger, interprètes de Moulins à Paroles

 Alan Bennett a commencé sa carrière comme comédien. Il est considéré comme un des romanciers et dramaturges actuels les plus importants du Royaume-Uni. Parallèlement, il poursuit une oeuvre de scénariste pour la télévision et le cinéma. La Compagnie les Méridiens nous propose deux monologues de Bennett, deux fragments d'existence de personnages  à la fois naïfs, comiques et tragiques : La chance de sa vie et Une frite dans le sucre. Leslie est une actrice qui rêve de percer dans le cinéma, de devenir une star mais elle ne possède qu'un réel  atout : son physique. Graham, vieux garçon, vit toujours chez sa vieille mère dont il s'occupe au quotidien. L'irruption dans leur vie d'un vieil amant de sa mère bouscule son existence.

Avis de claudialucia

J'aime beaucoup Alan Bennett, aussi est-ce avec plaisir que je suis allée voir Moulins à Paroles de la compagnie alsacienne Les Méridiens  à Essaïon théâtre.


Grâce à un dispositif scénique ingénieux, deux décors mobiles qui tournent sur eux-mêmes pour faire apparaître les acteurs, nous pouvons suivre les deux histoires en parallèle, celle de la jeune actrice sans talent exploitée sexuellement par les hommes et celle du fils dévoué à sa mère, "un grand garçon" jamais devenu un homme. Le metteur en scène, Laurent Crovella utilise avec habileté ce dispositif pour établir des parallèles, pour jouer sur l'alternance, la simultanéité, provoquer des ralentissements ou au contraire accélérer le rythme. Ainsi deux vies se déroulent devant nous, se croisent, sans jamais se rencontrer, deux univers très différents mais qui ont en commun l'échec, la noirceur de l'existence. Car Alan Bennett sait à merveille rendre le quotidien de ces vies qui s'étiolent, peindre la solitude de chacun, la cruauté des rapports humains. Et pourtant l'on rit beaucoup au cours de ces deux monologues que deux comédiens inspirés, Stéphanie Gramont et Xavier Boulanger, interprètent avec beaucoup de justesse et de conviction. Mais l'on ressent aussi beaucoup d'émotion et de tristesse tant le spectacle de ces vies gâchées nous touchent.  Un bon spectacle.

Avis de Wens de En effeuillant le chrysanthème

Le texte de Leslie est sans grande surprise, la pauvre figurante naïve et sans talent ne peut  finir que déshabillée sur un plateau de cinéma et dans le lit des participants d'un film de série B. Le deuxième monologue est beaucoup plus riche, plus complexe. Graham, vieux garçon emprunté apparaît comme le fils attentif et protecteur d'une vieille femme malade, qui semble perdre la raison. Mais l'arrivée d'un ex-amant extravagant donne une nouvelle jeunesse à la vieille mère, qui se sent  prête à refaire sa vie sans son fils. Alors Graham nous présente une  facette inconnue de son personnage. Il se révèle fragile, malade, complexé, c'est un homosexuel refoulé. Pour la plus grande satisfaction de Graham, le vieil amant disparaîtra et  la vie pourra reprendre son cours rythmé par des promenades  entre deux tasses de thé. La vie de tous ces êtres est triste, tragique, sans espoir mais Bennett arrive à nous faire sourire, rire même, d' un rire noir et grave.

La mise en scène est judicieuse. Au lieu de présenter les monologues l'un à la suite de l'autre, le metteur en scène, Laurent Crovella, a décidé de les faire interpréter en parallèle. Ce choix  correspond tout à fait à l'esprit de la préface de Jean-Marie Besset ,traducteur de Moulins à Paroles (Actes-Sud-Papier): "…les vies sont solitaires, immobiles et comiques-ô combien- dès qu'elles se mêlent à se commenter les unes aux autres". L'immobilité  est rendu par le dispositif scénique, les acteurs sont enfermés physiquement et donc moralement dans des petits kiosques qui tournent sur eux mêmes. Leslie est coincée dans une loge qu'elle décore de  photos de stars, elle joue avec des lumières, se place sous les projecteurs de ses rêves. Graham fait de la tapisserie, engoncé dans des vêtements trop étroits, vissé sur une chaise dans un décor victorien vieillot, il baisse l'éclairage pour se réfugier dans le noir quand ses peurs et ses angoisses le prennent. Stéphanie Gramont et Xavier Boulanger servent avec beaucoup de talent  les beaux textes de Bennett.

Moulins à Paroles 
Les Méridiens
Essaïon Théâtre
Du 8 au 30 Juillet à 12H40
Relâche les 18, 25 Juillet

Hella S. Haasse : Des nouvelles de la maison bleue

Dans Des nouvelles de la maison bleue de Hella H. Haasse, la maison éponyme occupe la place centrale du roman et relie les personnages entre eux et d'abord tous les habitants de ce quartier résidentiel, refermé sur lui-même, secret. La maison bleue est la propriété du professeur Lunius, de sa femme que tous appellent l'Argentine, du nom de son pays d'origine, et de leurs petites filles, Félicia, "la discrète", Nina "la pétulante". A la mort de son mari, madame Lunius part en Argentine avec ses filles et se remarie avec un compatriote conservateur proche de la dictature. La Maison bleue abandonnée à elle-même devient le repaire magique de tous les enfants du quartier.

La maison au toit bleu était donc une partie de notre réalité, un élément indispensable du paysage. Nous nous accommodions des volets clos, des pentures écaillées et de la jungle environnante, et nous nous réjoussions que les tentatives de la municipalité pour acquérir la maison soient restées infructueuses. Dans les années soixante et soixante dix la maison a joué un rôle dans le rêve et l'imagination d'innombrables enfants du quartier; ceux d'entre nous qui étaient alors à l'école primaire ou au lycée peuvent en parler.

De loin en loin les voisins de la maison bleue apprennent des nouvelles de Félicia mariée à avec un diplomate néerlandais et qui  fréquente les milieux huppés de la haute bourgeoisie. Nina  épouse un chanteur argentin, Ramon Sanglar,  et fait parler d'elle par le soutien qu'elle apporte aux mères et aux veuves des opposants de la dictature de son pays. Lorsque les deux soeurs reviennent dans la maison bleue décidée à la mettre en vente, tous vont se sentir concernés, en particulier Nora Munt et le couple Meening qui ont racheté les dépendances de la maison. Le récit raconte les retrouvailles des deux soeurs séparées depuis de longues années et les incidences directes ou indirectes de ce retour sur les habitants. Il est entrecoupé par l'intervention d'un ou plusieurs observateurs extérieurs  à la maison bleue, les voisins, qui observent les soeurs Lunius et commentent leurs fait et gestes. Comme un choeur archaïque, ce sont eux qui portent le sens du roman :

Nous voulions voir en elles, une légende vivant, le passé, mais présent, désir paradoxal. Comme si nous pouvions oublier que tout peut changer continuellement, nous-mêmes, le quartier, le monde autour de nous.

Le roman est en effet l'histoire d'une désillusion collective :  Nina qui traque son enfance dans les murs délabrés de la maison, Félicia qui essaie en vain de se rapprocher de sa soeur, Nora Munt qui veut faire revivre son amour d'adolescente pour Diederick Meening, Wanda Meening qui cherche à  s'émanciper d'un mari trop prévenant, les voisins fascinés par les deux soeurs, tous  courent à l'échec.  La destruction de la maison bleue remplacée par une maison de retraite pour vieillards fortunés est le symbole de cet impossible retour en arrière.

Le charme qui émanait de la Maison bleue et qui prêtait aux deux soeurs une aura  magique aussi longtemps qu'elles étaient ailleurs s'est retourné contre elles, est devenu maléfice, influx malin.

L'analyse de  Hella S. Hasse est conduite avec élégance et finesse. L'écrivain sait rendre le charme, le mystère de la maison (comme dans La source cachée) mais  il y a une froideur dans cette analyse qui m'empêche d'adhérer totalement au roman. Impossible d'être en empathie avec un seul des personnages ou d'éprouver de l'émotion.  Haasse parle à l'intelligence mais pas aux sentiments.

Challenge de Calypso

Festival OFF d'Avignon : Montaigne de Michel Bruzat, Théâtre de la Passerelle

 Jean-Pierre Descheix interprète Montaigne

Il y en aura peut-être d'autre (je l'espère car le festival est loin d'être terminé) mais le spectacle du Théâtre de la Passerelle de Michel Bruzat sur Montaigne est d'ores et déjà un coup de coeur.

Montaigne? Mon enthousiasme ne doit pas vous étonner puisque mon blog lui est dédié à commencer par son titre Ma Librairie et le bandeau d'accueil qui représente la tour où il avait installé sa bibliothèque autrement dit sa librairie.

Pourquoi j'aime autant Montaigne? Le beau spectacle théâtral mis en scène par Michel Bruzat à partir d'un choix judicieux de textes répond à cette question. Et tout d'abord en montrant l'homme car Montaigne n'est pas un pur esprit et s'il porte en lui la forme entière de l'humaine condition, c'est parce qu'il est proche de nous, un être de chair et de sang, qui aime la bonne chère, les plaisirs du corps, l'amour, l'amitié, un épicurien qui aime la vie et la cultive telle qui a plu à dieu nous l'octroyer. Un homme qui pense que le corps et l'esprit sont liés par "une étroite couture" et qu'ils ne sont donc pas opposables. Un homme qui n'essaie pas de dresser un portrait flatteur de lui-même mais qui  se montre à nous tel qu'il est avec ses faiblesses et ses erreurs : "Je veux qu'on m'y voie en ma façon simple, naturelle et ordinaire, sans  étude et sans artifice". Et puis il y a le Montaigne philosophe, aussi éloigné des valeurs chrétiennes d'abstinence et de toutes formes d'ascétisme prônés par  la religion, "J'ai horreur d'imaginer un corps privé de plaisir", que du fanatisme lié à une quelconque certitude. Car cet humaniste est persuadé de la relativité des coutumes et des croyances. Et c'est parce qu'il ne pense pas détenir la vérité qu'il parle de tolérance, de respect des autres, du plaisir de découvrir d'autres pays, d'autres façons de vivre et de penser. La voix de Montaigne qui s'élève vers nous sur la scène du théâtre des Carmes est belle et toujours actuelle. L'adaptation en français moderne est de plus très réussie et nous rapproche de lui dans le temps. Elle nous dit, des choses toujours vraies, que la guerre est la preuve de la sottise humaine, que les hommes n'ont pas à imposer des règles aux femmes qu'ils sont bien loin de pouvoir respecter eux-mêmes, que la peur de la mort ne doit pas nous empêcher de vivre et que la vie, justement, est la plus belle des aventures humaines : "Mon métier et mon art, c'est de vivre".

 Michel de Montaigne, à qui l'excellent comédien Jean-Pierre Descheix prête son corps (il va même jusqu'à lui ressembler!) et sa voix, nous convie à un repas aux chandelles, nous invite à sa table et le spectateur est même parfois sollicité pour la préparation des plats. Convivialité, amour des saveurs, gourmandise, la glace est brisée, ce n'est pas le philosophe mais l'homme et même l'ami qui bavarde avec nous à bâtons rompus. Les évolutions de l'acteur qui sert à table, goûte avec sensualité un bon vin, trinque avec nous, danse, chante, ses digressions, ses hésitations, son franc parler, tout donne l'impression de ce style "à sauts et à gambades" si cher à Montaigne. Belle idée de Michel Bruzat et qui sert à merveille ces textes! Nous avons l'impression que ceux-ci s'écrivent devant nous, nous sentons le tâtonnement de la pensée, les mots qui se cherchent, qui se pressent, qui se bousculent. Jean-Pierre Descheix nous les donne à savourer. Avec bonhomie, simplicité et naturel, beaucoup d'humour aussi, il nous fait voir l'homme, nous fait rire, nous fait partager ses émotions, ses doutes aussi.  Avec cette mise en scène intelligente et pleine de finesse Michel Bruzat a réussi a concocté un régal théâtral goûteux salué par la qualité de l'écoute et des réactions des spectateurs.

Avis de Wens  blog En effeuillant le Chrysanthème

Ecrire sur Montaigne en parallèle à Claudialucia est un pari audacieux de ma part, elle qui se nourrit des Essais depuis sa prime jeunesse, qui a choisi de nommer son blog "Ma Librairie" en l'honneur de l'essayiste et philosophe. Mais...

Michel Bruzat par ses choix judicieux d'extraits des Essais montre la puissance de la pensée et la modernité de l'écrivain. Dans un rêve utopique on pourrait envisager que Montaigne inspire la conduite de nos puissants dirigeants, mus par le profit et l'ambition, où le visage des hommes se cache sous le masque de leur fonction, où se parjurer n'est pas un vice, mais une façon de parler où la politique sans conscience et sans âme consiste à faire le renard. Montaigne nous rappelle que la voix de la sagesse réside dans la tolérance, que notre richesse provient de notre diversité, qu'aucun homme sur notre terre ne détient la vérité absolue, que nos croyances sont le fruit de nos coutumes, de notre éducation. En vérité, dès notre naissance nous humons les règles de la coutume avec le lait…Par la suite, ce qui est contraire à la coutume, nous le croyons contraire à la raison.Il faut aller vers l'étranger, le comprendre, éviter tout repli sur soi, sur son propre monde. Le philosophe prône la tolérance religieuse, alors que son siècle est ravagé par les combats fratricides entre catholiques et protestants. Au nom de l'amour de Dieu, des paradis futurs, les croyants, les fanatiques s'étripent. Il dénonce la guerre, toutes les guerres, car elle font le jeu des ambitieux, des haineux, des violents. Aucune guerre n'est justifiable. En avance sur son temps, et sur le nôtre, il aborde le thème de l'égalité des sexes !

Au delà du philosophe, Michel Bruzat, nous fait rencontrer l'homme qui fait de lui même  un portrait pas toujours très flatteur. Nous sommes invités à un banquet par un hôte charmant, brillant, érudit, bavard, inquiet, curieux… qui nous fait rire, sourire, ou retenir notre souffle : Je veux qu'on m'y voie en ma façon simple, naturelle et ordinaire, sans étude et artifice. Les mots, les formules savoureuses surgissent, fleurissent comme celle mise en exergue en sous titre de la pièce: Sur le plus haut trône du monde nous ne sommes assis que sur notre cul. Parce que Montaigne c'est aussi une langue brillante servie par un acteur de talent : Jean Pierre Descheix. Il habite Montaigne, nous fait partager ses réflexions, ses interrogations, ses doutes sur la beauté de la vie qu'il nous faut remplir, sur la force de l'amitié, sur la mort, sur la nature. 

La mise en scène inventive, et la scénographie participent à la beauté du spectacle. On aimerait garder en bouche le goût de ce festin de mots et de sagesse.

Montaigne
au Théâtre des Carmes 
du 8 au 31 juillet à 17H50
Durée : 1H15

Ferdinando Pessoa et son hétéronyme Alberto Caeiro : Etre poète.... (citation)

Portrait de Ferdinando Pessoa par Luis Baldosa

Je pense aller voir bientôt  au festival off d'Avignon le spectacle intitulé Mystère Pessoa, mort d'un hétéronyme du collectif Hic et Nunc.
 Les hétéronymes  sont les multiples personnalités sous lesquelles le poète a écrit.  L'hétéronyme se distingue du simple pseudonyme par le fait que l'écrivain a inventé pour chacun une biographie, un caractère, une oeuvre distinctes de la sienne propre.

Sous l'hétéronyme d'Alberto Caeiro, Ferdinando Pessoa a écrit un recueil de poésies Le gardeur de troupeaux dont voici une citation :

Être poète n'est pas une ambition que j'aie,
c'est ma manière à moi d'être seul.  

Avec Chiffonnette

Festival OFF d'Avignon : Spectacles pour bébé (2), Ploum, Veillées douces, les 4 Saisons

       Ploum une féerie polaire pour les tout-petits ( de 6 mois  à 5 ans)

Avec l'arrivée de ma petite fille a commencé pour moi le festival pour enfants ou plutôt pour bébés! Je cherchais en effet des pièces qui s'adressent au moins de 2 ans. De plus comme mon spécimen de 15 mois est plutôt du genre Petit-Bout-Qui-Bouge-Tout-Le-Temps-et-Qui-n'est-pas-sage-Comme-Une-Image, il me fallait des spectacles susceptibles de la fasciner et..  surtout très courts! 

Le décor de Ploum est réellement féerique et participe à la magie du spectacle. Les jeunes spectateurs et leurs parents sont invités à pénétrer dans un igloo en toile blanche translucide tout illuminé de l'intérieur, à s'asseoir sur des bancs  semblables à de gros blocs de glace. Au milieu de l'igloo, un oeuf blanc mais qui se colore par moments de vives couleurs!  Et à l'intérieur, derrière la coquille, en transparence, un petit pingouin, Ploum, qui va bientôt sortir de l'oeuf. Oui, mais voilà, quand il naît, il se retrouve seul  sur la banquise.  Impossible de trouver sa maman. Alors, Ploum part à sa recherche et parcourt le cercle polaire. Il rencontre un ours, un marin, un goéland, un phoque...  Mais que les âmes sensibles se rassurent Ploum finira par  retrouver sa maman!

Le récit est conté et chanté par une comédienne qui anime les personnages objets ou marionnettes. Le musicien rythme le récit et les enfants peuvent voir les divers instruments qu'il utilise, ce qui constitue un plaisir supplémentaire.

Quant à ma toute-petite, même si l'histoire lui est un peu passée au-dessus de la tête car il y a beaucoup de paroles pour elle et les chansons ne l'ont pas captivée, elle a été très intéressée par le petit ours, les pingouins marionnettes. Malgré des moments d'inattention, elle a manifesté son plaisir en dansant sur la musique et en frappant des mains. Malheureusement elle aurait bien voulu "aider" le musicien mais en vain car une grande mère tortionnaire l'en a empêchée d'où quelques réactions de dépit..

Ploum Le Théâtre en Flammes
Collège de La Salle
de 6 mois à 5 ans
Du 8 au 31 juillet 10H et 11H
durée 30 minutes

Veillées douces Sylvain Frydman et Laurent Montel

Veillées douce (jusqu'à 3 ans) est un spectacle de musique et de poésie ambitieux. Les interprètes, musicien et comédien, Sylvain Frydman et Laurent Montel, en sont très conscients qui disent avoir fait le pari que la poésie, le jeu sur les mots et les sons et la musique peuvent, au-delà du sens, parler aux tout-petits, retenir leur attention, les séduire.

Le décor est celui d'une chambre à coucher, lieu idéal pour une douce veillée, si l'on en juge par le nombre de lampes de chevets de toutes tailles ornant la scène. Le choix des textes est de qualité, rien de moins que Desnos, Boby Lapointe avec "Ta Katy t'a quitté" ou "la Fileuse" de Paul Valéry dont j'ai d'ailleurs beaucoup aimé l'interprétation.La clarinette accompagne d'une manière harmonieuse, amusante ou moqueuse les textes et les chansons.

Le pari semble réussi si j'en juge par l'attitude des enfants, en majorité un peu plus âgés que Léonie : pas de vives réactions ou des rires mais une écoute attentive. Léonie, elle, décroche assez vite, se couche par terre sur le coussin. Pourtant de temps à autre, elle lève la tête attirée par des sons et surtout par certains passages à la clarinette. Enfin, elle s'anime tout à fait quand il est l'heure d'aller se coucher (sur scène!) avec une chanson bien de son âge : "Une chanson douce", elle dit " hou! hou!"  avec le loup de la chanson et c'est ce qu'elle racontera à son grand père en rentrant à la maison, ce qu'elle a retenu du spectacle.

Veillée douce Ensemble Fa 7
Maison du théâtre pour enfants
jusqu'à 3 ans
Du 8 au 26 Juillet  9H40 et 15H40
relâche 10, 17, 24 Juillet

la très jolie affiche de Les 4 saisons

Les 4 Saisons présente un joli décor, un grand livre des saisons dont on tourne les pages pour voir défiler le printemps, l'été, l'automne et l'hiver. Les enfants sont invités à participer en rythmant la course du soleil avec des petits instruments mis à leur disposition, ce qui leur plaît beaucoup mais les occupe tant qu'ils en oublient un peu la pièce. Il faut dire que le texte est difficile pour les plus jeunes, le vocabulaire abondant. Peut-être l'âge du public est-il mal ciblé?

Les Quatre saisons  Miette et Cie
Théâtre des vents
Jusqu'à 6 ans
du 8 au 31 Juillet 10H
durée 35 minutes

Festival OFF d'Avignon : spectacles pour bébés (1) Onda Prima de la compagnie ATE

Onda Prima, décor de Kichinevsky

Le spectacle pour enfants que j'ai préféré est aussi, en douteriez-vous,  celui que ma petite-fille a le plus aimé : Onda Prima (tout public dès un an) mis en scène par Catherine Ghobert et mis en sons par Jean-Serge Beltandro de la compagnie Eclat de Souffle.

Avec l'arrivée de ma petite fille, en effet, a commencé pour moi le festival pour enfants ou plutôt pour bébés! Je cherchais en effet des pièces qui s'adressent au moins de 2 ans. De plus comme mon spécimen de 15 mois est plutôt du genre  Petit-Bout-Qui-Bouge-Tout-Le-Temps-et-Qui-n'est-pas-sage-Comme-Une-Image, il me fallait des spectacles susceptibles  de la fasciner et..  surtout très courts! 

Des spectacles courts de  30 minutes, il y en a beaucoup mais je me méfie, souvent à juste titre, de ceux qui ciblent trop large au niveau de l'âge, par exemple de 1 an à 6 ans. Comment une pièce qui intéresse un enfant de 6 ans peut-elle s'adresser à celui qui a un an? C'est possible mais rare. Onda Prima, peut-être? Voilà donc le compte rendu des spectacles vus avec Léonie.

Onda Prima, Onde première, c'est celle ou baigne le bébé dans le ventre de sa maman. Un bébé qui bouge, donne des coups de pieds, étire les bras, les jambes, fait des cabrioles mais aussi entend de drôles de bruits.. très rigolos.  Puis l'enfant naît, découvre le monde et ses couleurs et ses formes. Il gazouille, joue avec les sons et les mots, il s'amuse avec les petites merveilles que sont ses pieds et ses mains. Il  fabrique des bonhommes mais aussi des maisons, puis s'endort tout  doucement dans son berceau.

Sur la scène un entassement des caisses, d'objets hétéroclites, vivement colorés, passoires, seau, couvercles, tuyaux qui prendront toutes les formes au gré de l'imagination de l'enfant et d'où sortent des borborygmes bizarres et capricieux qui font rire. Tous les sens sont sollicités par cette aventure de la vie, cet univers visuel et sonore si proche des tout-petits. La comédienne-danseuse captive les jeunes spectateurs qui suivent tous ses gestes, bouche bée. Le bruitage est absolument génial, réglé avec précision sur les évolutions de la comédienne, créant des effets de surprise, relançant l'intérêt, provoquant le rire. Pas besoin de paroles! Les enfants sont fascinés.

A la maison, Léonie racontait à sa manière ce qu'elle avait vu, mimant la danse de la comédienne, gestes stylisés, jambes tendues,  pied flexe, et prenait la main de son grand père pour lui montrer qu'elle voulait  y retourner. Un bel hommage à la pièce!

 Marie Verge

 Onda Prima Cie ATE

Espace Alya 10H30

A partir de 1 an

Du 8 au 31 Juillet 2011

Voir la vidéo du spectacle chez Wens, En effeuillant le chrysanthème.

Gérard Donovan : Julius Winsome

Gérard Donovan dans son roman Julius Winsome réussit le tour de force de nous passionner avec une histoire qui met en scène un personnage replié sur lui-même, détaché de tout et dont le comportement finit par être à la limite de l'Humain. Pourtant Julius Winsome, ce solitaire qui vit dans un châlet en bordure de la forêt, enseveli dans le silence de la neige pendant les six mois d'hiver dans le Maine du Nord, à la frontière du Canada, est curieusement proche de nous, voire attachant.
Je dis curieusement et vous allez voir  pourquoi.

Julius Winsome a vécu toute sa vie dans ce lieu avec son père, un lettré qui lui a transmis l'amour des livres mais aussi des mots, ceux de l'inventeur de la langue anglaise, Shakespeare. Il  lui a légué à sa mort les milliers de volumes qui tapissent les murs. De son grand père, combattant de 1914, poursuivi jusque dans ses rêves par les fantômes des soldats ennemis qu'il a tués, il a compris l'horreur de ces meurtres collectifs que la guerre autorise. De son père, mobilisé pendant la guerre de 1940, il tient la haine de tout ce qui est arme à feu même s'il a appris à se servir du fusil allemand de 1919 que son grand père a ramené. Un jour pourtant, tout bascule pour ce cinquantenaire qui n'a pas su retenir la femme qu'il aimait et qui vit avec son chien pour seule compagnie. Quand ce dernier est tué à bout portant par un chasseur - non un accident mais un geste de cruauté gratuite-  Julius Winsome sort son fusil et tire! Il se transforme en tueur!

Quand j'ai lu le commentaire de L'or des chambres  dans son blog, j'ai d'abord eu une réaction de rejet pour ce personnage qui se venge d'une manière aussi horrible. Et  puis elle m'a convaincue de lire ce roman et je ne le regrette pas.

Il y a d'abord la magnifique écriture de Donovan qui fait voir la beauté de ces paysages, fait entendre le silence troublé seulement par le crissement de la neige, les pas des animaux sauvages à la lisière de la forêt, la beauté pure pourtant perturbée, à intervalles réguliers, par les détonations des fusils. Les chasseurs jouent ici un rôle symbolique, ils introduisent les notions de souffrance et de mort. Ils représentent la force brute face à la fragilité de la nature. Mais au delà de la magnificence de ces forêts touffues, du passage des saisons somptueuses avec leurs couleurs variées, l'écrivain nous fait sentir le  sifflement sinistre du vent, les bruits angoissants de la nuit qui encerclent la maison et se referment sur elle, le froid qui s'empare du corps et de l'âme, le poids du silence, la terreur de la solitude. Nous entrons dans ce désert glacé longtemps réchauffé par les livres qui forment un rempart au mal mais qui cède peu à peu... Nous nous sentons envahis par la détresse du personnage et comprenons pourquoi il sombre ainsi dans un no man'sland psychologique d'où il ne reviendra jamais. Ce récit conte aussi une belle et triste histoire d'amour. Claire aurait pu sauver Julius de lui-même mais il n'a pas su la retenir, incapable de dire son amour, d'exprimer ses sentiments. Claire l'a quitté, s'est mariée mais certaines scènes montrent pourtant la tendresse qu'elle lui conserve et la compréhension intuitive qu'elle a de cet homme muré en lui-même. Julius Winsome est l'histoire d'une vie ratée d'où l'intense nostalgie que l'on éprouve à la lecture.

Est-ce aussi la description d'un glissement progressif vers la folie? Certainement! Mais je préfère l'explication donnée dans le résumé de la quatrième de couverture (excellent cette fois-ci) : "Avatar du Meursault de Camus qui tuait "à cause du soleil", Julius Winsome tue à cause de la neige, symbole de pureté et de deuil."

voir Aifelle

Dominique ;

                                                                  Chez Folfaerie

festival OFF d'Avignon : Sur le bout de la langue, Institut de la marionnette de Charleville-Mézières

L'Institut International des Arts de la Marionnette de Charleville-Mézières est présent au festival d'Avignon 2011 à la Caserne des Pompiers, lieu théâtral traditionnel de la scène champenoise.

Sur le bout de la langue …et au bout des doigts.... Cinq jeunes artistes fraîchement sortis de l'Ecole Nationale Supérieure des arts de la Marionnette de Charleville-Mézières présentent des formes courtes  inspirées de contes traditionnels, de mythologies anciennes, contemporaines ou personnelles, créées dans le cadre de leur dernière année d'études. (Présentation journal du OFF).

Avis de Claudialucia et Wens

Depuis de nombreuses années nous avons suivi régulièrement le travail de l'Institut qui nous offrait une véritable création collective, innovante et toujours de très grande qualité. Il faut avouer que cette année nous sommes assez déçus du spectacle proposé. Dans toutes les créations présentées, les contraintes imposées par les enseignants et les intervenants apparaissent très clairement, on assiste à un travail, certes réussi,  mais inscrit dans un cadre très ( trop?) strict, ce qui enlève un peu à la poésie. Le spectateur est convié non à une véritable création mais plutôt à un bilan de fin de cycle. Cela n'enlève rien à la qualité des artistes qui montrent l'étendue de leurs possibilités. Parmi les courtes pièces, nous retiendrons surtout Sous la neige qui tombe, conte chinois emprunt de poésie et d'imagination. L'artiste, Simon Moers, est capable de faire surgir un empereur dans un grain de riz et de nous bâtir la muraille de Chine sur une table de salon.

Festival OFF d'Avignon : Si Siang Ki ou l'histoire de la Chambre de l'Ouest

Si Siang Ki ou l'histoire de la chambre de l'Ouest est une grande pièce classique du répertoire théâtral de la Chine. Elle a été écrite par un auteur, Wang Che Fou, dont la vie est peu connue, à la fin du XIII °ou au début du XIV siècle. La présentation pour la première fois de cette pièce au public français en mandarin moderne a été rendue possible par la collaboration du Shangaï Théâtre Academy et du Théâtre du Chêne Noir, compagnie permanente d'Avignon créée en 1967 par Gérard Gélas.

L'histoire de Si Siang Ki est celle d'un jeune lettré Tchang Sen qui se rend à la capitale pour terminer ses études et s'arrête en chemin dans un monastère. Là, il rencontre par hasard une jolie jeune femme de noble lignée, Ying Ying, dont il tombe follement amoureux. Le monastère est encerclé par le général Sun Fei Hoi qui veut arracher la jeune fille à sa famille pour l'épouser. Madame Tching, la mère de Ying Ying promet la main de sa fille à celui qui la sauvera. C'est ce que fait Tchang Sen avec l'aide d'un de ses amis d'enfance qui est général. Le danger écarté, madame Tching refuse de donner sa fille en mariage. Les deux jeunes gens, grâce à la complicité de la servante, se retrouvent et s'aiment. Madame Tching, vaincue, accepte alors le mariage à condition que le jeune lettré réussisse à ses diplômes.

L'avis de claudialucia 

Cette histoire d'amour célèbre en Chine représente si bien la culture chinoise qu'elle fait partie des dix ouvrages composés par les Tsai-Tseu autrement dit les écrivains de génie. La pièce présente un plaidoyer toujours vraie, en faveur de la liberté des jeunes gens à choisir l'époux ou l'épouse de leur choix.

Le premier tableau d'après une idée poétique du metteur en scène Gérard Gélas fait vivre les deux jeunes gens à notre époque. Le jeune homme est tué par des émissaires de la Mort mais un personnage mystérieux le rappelle à la vie dans une époque ancienne, très éloignée de la nôtre. Là, l'histoire d'amour recommence introduisant l'idée de l'éternel retour comme le prouvera le tableau du dénouement.

J'ai beaucoup aimé cette pièce parce qu'elle m'a ouvert les portes d'une oeuvre patrimoniale chinoise que je ne connaissais pas. Certes, de prime abord, elle surprend un peu. Le rythme est lent et semble parfois uniforme. Il n'y a pas de progression dramatique comme dans notre tragédie classique mais une succession de tableaux où la langue semble parfois primer sur l'action. De là pourrait naître une certaine monotonie mais il n'en est rien car le spectateur est bien vite sous l'emprise de ce spectacle qui le fait voyager dans le temps et dans l'espace. Les acteurs d'une grande prestance jouent selon les règles du théâtre chinois, avec un charme fou. La scénographie  est sobre et élégante grâce à l'utilisation minimale de décor solide; tout est dans la lumière qui crée l'illusion. Les costumes, les coiffures, les maquillages qui ressuscitent la Chine médiévale sont très réussis et mettent en valeur la beauté des acteurs.

Le texte est très poétique car, je cite Gérard Gélas : " Il y a dans la littérature chinoise de cette époque un constant va-et-vient entre la Terre et le Ciel via la nature. Le souffle du vent dans les feuillages de l'automne ou du printemps relaie les sentiments des protagonistes au moins autant que les actions qui font progresser l'intrigue." Evidemment, la dimension poétique de la langue échappe au spectateur français. Le spectacle est sur-titré pour notre compréhension mais la clarté de l'action permet d'écouter la musique de la langue surtout  au moment où les deux jeunes gens s'exercent à une joute poétique sous le regard de la lune. Un très beau spectacle!

Avis de Wens   Blog En effeuillant le chrysanthème

Gelas nous offre l'opportunité de découvrir un théâtre jamais présenté en France, de nous ouvrir sur un autre monde, sur une autre culture. La structure de la pièce en 27 tableaux ne correspond pas aux critères de la dramaturgie classique occidentale. La narration est très linéaire sans scènes-clés, sans rebondissements, sans climax, et d'une scène à l'autre les acteurs reprennent  souvent des parties de dialogues. Mais il ne se dégage aucun d'ennui car la langue chante, et le texte-surtitré est d'une grande poésie servi par d'excellents acteurs. La sobre mise en scène de Gélas et la scénographie participent à cette réussite : un décor minimaliste, des jeux de lumière, une bande son discrète soulignant les sentiments. Les costumes splendides participent au plaisir visuel. Cette pièce écrite il y a environ 700 ans, montre qu'à travers le monde et le temps les rapports et les sentiments humains ne sont guère différents. Les puissants imposent leurs règles que parfois les domestiques dénoncent, les femmes de chambre chinoises ont la langue aussi bien pendue que celles de  Molière ou de Beaumarchais. Pour Gélas, l'amour contrarié  de Ying Ying et de Tchang Sen résonne comme un écho à Roméo et Juliette, et comme les amants de Vérone  Ying Ying et Tchang ne se retrouvent seulement que dans la mort. Un très beau spectacle.

Villeneuve-en-Scène : Maboul Distorsion, Parallèles & Bipèdes.

 Le festival de Villeneuvre-Lez-Avignon commençait hier. Parallèle à celui d'Avignon et distinct du grand frère, il se déroule dans des lieux de verdure sous de grands chapiteaux.

Parallèles et Bipèdes de Maboul distorsion est un spectacle de théâtre mais aussi de cirque puisque les cinq personnages qui évoluent sur scène appartiennent à la fois à l'espèce du clown rappelant les personnages burlesques du cinéma muet  américain,  sortes de Marx Brothers complètement loufoques, mais  sont aussi acrobates, jongleurs, magiciens fabriquant l'illusion à l'aide de simples bouts de cartons.. Un nouveau cirque, donc, qui sous l'apparence du rire, donne une vision assez noire de notre société.

Sous le chapiteau de Villeneuve-en-scène, dans le Verger, un décor de boîtes en carton rappelle un déménagement cauchemardesque, un empilement qui se dresse comme un mur et délimite un monde dans lequel nous serions prisonniers. Qu'y a-t-il derrière ce mur? La liberté ou la mort? Et de ces boîtes vont surgir, avec une certaine violence, des personnages catapultés dans ce monde absurde, sans queue ni tête, où les boîtes vomissent des objets hétéroclites, où le carton est capable d'engendrer des monstres, de se transformer, devenir masques, vêtements, objets de toutes sortes, d'engendrer même de nouveaux personnages. La mise en scène est réglée comme un ballet dans lequel les acteurs passent, disparaissent, se croisent et parfois se rencontrent pour mieux essayer de s'imposer, de prendre le dessus. Car ce monde est le nôtre, le fort y domine le faible, le grand écrase le petit, le riche, le pauvre, un monde avec sa hiérarchie sociale, son patron cravaté perché sur sa pyramide de… carton (!). Mais celle-ci finira un jour par s'effondrer pour mieux renaître ensuite. La bande sonore avec ses bruitages, ses rares paroles réduites souvent à des onomatopées, crée un effet comique très réussi. Certains passages de jonglage à quatre mains sont assez poétiques et témoignent de beaucoup d'adresse. Une inventivité toujours renouvelée pour reproduire un monde qui finira par disparaître sous l'avalanche de ses propres déchets que les cartons déversent sur la scène!

J'avoue avoir eu un peu de mal, au départ, à entrer dans ce monde de l'absurde qui ne me faisait pas rire (mais je ne suis pas sûre qu'il soit entièrement là pour ça!)  mais peu à peu je me suis laissé gagner par le spectacle.

Avis de Wens dans son blog : En effeuillant le chrysanthème

Dans un monde de carton, cinq hommes se croisent, s'évitent, apparaissent, disparaissent dans un ballet burlesque. Mais leur destin est lié. Ils jonglent alors ensemble avec des cartons de toutes tailles, de toutes formes, construisent des monuments : ascenseurs, pyramides… Papier d'emballage et ruban adhésif se transforment en masque, en vêtement, en bouteille, en table. La parole est inutile, la précision du geste, du déplacement  la remplace. Et le public fonctionne devant cette mécanique bien huilée. Les plus jeunes rient des démêlés incessants de ces hommes en prise avec des cartons souvent rétifs, les plus âgés sont emportés par la poésie de ce théâtre proche de l'absurde, très critique à l'égard de notre société.
En effet,  au début de la pièce, trois des personnages sont littéralement projetés sans le vouloir dans cet univers de carton où s'agite un magasinier. Un cadre hautain semble ignorer ce petit monde. Mais le cadre  a beau se croire  supérieur, situé tout en haut de la pyramide sociale, ce n'est qu'une illusion et sa chute est brutale. Quand les hommes jouent, jonglent, trinquent ensemble, les enjeux de pouvoir ne disparaissent pas : qui aura le plus grand verre? qui accumulera le plus de cartons?… Pourtant tous ces hommes sont dans la même galère, dans une société absurde qui broie l'individu.
La mise en scène de Raymond Peyramaure est d'une grande précision, inventive et  le spectacle est servi par le talent et l'énergie de cinq comédiens, mimes et jongleurs. 

Parallèles & Bipèdes.
Cie Maboul Distorsion.
Festival Villeneuve en scène.
Du 5 au 27 Juillet 2011. 20H30

Le festival de danse de Marseille : Gregory Maqoma, Sidi Larbi Cherkaoui, Shanel Winlock

 Le troisième spectacle de danse contemporaine que j'ai vu à Marseille est  Southern Bound Comfort et autant le dire tout de suite, il m'a emballée! Il est composé de deux ballets : le premier Southern Comfort du chorégraphe sud-africain Gregory Maqoma, le second Bound du chorégraphe belgo-marocain Sidi Larbi Cherkaoui. Les deux oeuvres sont interprétées magistralement par Gregory Maqoma et Shane Winlock. Toutes les deux  ont un thème commun. Ils traitent du couple, plus généralement des rapports hommes-femmes et jouent sur l'idée de domination-soumission.

Southern Comfort est une pièce pleine d'humour. Elle met en scène une jeune femme que l'on imagine être chorégraphe  et qui profite de son autorité pour mettre sous sa coupe son danseur et aussi les musiciens qui l'accompagnent. Le texte, la musique, les jeux d'éclairage qui doivent la suivre en mettant dans l'ombre ses faire-valoir créent autant de moments amusants qui déclenchent le rire, entrecoupés par des solos ou des duos enlevés. Jusqu'à la révolte, le retour du bâton!

Dans Bound  le couple perd son bébé. Le ton est grave, le désespoir est là, le désir de  suicide hante le couple qui n'arrive pas à se retrouver après le drame. L'homme et la femme se déchirent jusqu'à la séparation finale. La chorégaphie est extraordinairement belle et inventive. Le seul décor est constitué de cordes qui pendent des cintres ou se déroulent sur la scène, deviennent tour à tour maison, arbres pour se pendre; elles prennent la forme du bébé lové contre le corps maternel mais elles sont aussi la Mort qui vient arracher l'enfant des bras de sa mère. Elles se dressent comme des serpents vibrants, démultipliées par un effet de lumières stoboscopiques, devant la mère éplorée et dansent avec elle la violence du deuil, elles emprisonnent le couple, le retiennent prisonnier jusqu'à la séparation, l'étirement final où la corde est prête à se rompre libérant le couple de ses dernières attaches. Un grand moment de beauté et d'émotion. De la grande danse!

Henning Mankell : L'homme inquiet

J'ai lu L'Homme inquiet de Henning Mankell il y a déjà un mois et je ne me souviens plus de l'histoire policière. Enfin, presque! Oui, c'est une histoire d'espionnage qui a eu lieu réellement dans les années 80, des sous-marins qui sont venus espionner la Suède en pénétrant  dans ses eaux territoriales sans autorisation. Et alors que tout le monde accuse l'ennemi public n°1 de l'époque, L'URSS, notre Wallander va découvrir  qu'elle n'y est pour rien, que la réponse est ailleurs (je ne vous dirai rien) et que des gens qui lui sont liés sont très impliqués dans les meurtres qu'il doit résoudre. Voilà!  je ne me souviens de presque rien, vous dis-je!

Ce qui m'a importé enfin, ce à quoi, je me suis vraiment intéressée, c'est à Wallander, bien sûr!  Il a enfin acheté la maison de ses rêves, il a enfin le chien de ses rêves, sa fille lui a même fabriqué une petite fille pour qu'il ait une raison de vivre! Il est malade et tout aussi déprimé que dans les romans précédents mais Mankell  - qui avoue dans une interview qu'il veut se débarrasser de son  personnage -  n'a pas osé l'assassiner. Alors.. il le fait partir à la retraite! Le traître, je parle de Mankell car Wallander n'y est pour rien! Le traître donc! Vous ne lirez plus les aventures de votre héros préféré. Exist Wallander!